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This StyleSheet can be used directly by languages such as Chinese, Japanese and Korean which need larger font sizes.
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A collection of samplers of 5 videos on a given topic
(taa  daa  daa  dadu daaaaaaa)(dadu daa)(daa  daa  dadu dadu daa  daaaaaaa)
 1    2    3    1    2    3    1    2    3    1    2    3    5    2    3    
 1         1              1         1              1         1             

(taa  daa  daa  dadu dadu dadu dadu daa)(daa  daa  dadu dadu daaaaaaa)(taa
 1    2    3    1    2    3    1    2    3    1    2    3    1    2    3    
 1         1              1         1              1         1             

daa  dadu dadu daa  daa)(taa  daa  dadu dadu daa  daa)(taa  daa  dadu dadu
1    2    3    1    2    3    1    2    3    1    2    3    1    2    3 
1         1              1         1              1         1             

daa)(dadu daa  daa  daa)(daa  daa  dadu dadu daa  daa)(taa  daa  dadu dadu
1    2    3    1    2    3    1    2    3    1    2    3    1    2    3    
1         1              1         1              1         1   

daa  daa)(taa  daa  dadu dadu daa)(dadu daa  daa  daaaaaaaaaaaaa
1    2    3    1    2    3    1    2    3    1    2    3    1    2    3    
1         1              1         1              1         1 
Un peu de musique à danser bretonne. A sampler of breton dance music.
- Plinn par Ebrel/Kergoët: http://www.youtube.com/watch?v=Zm8SzRtwd4M
- Gavotte par Le Menn/Le Bour/Bodros: http://www.youtube.com/watch?v=XFziaxde8Uk
- Rond de ~Saint-Vincent par Tchikidi: http://www.youtube.com/watch?v=Ksc4aFA5J0w
- Mazurka par Landat/Moisson: http://www.youtube.com/watch?v=H10IZZX2xek
- Tour par Hamon/Quimbert: http://www.youtube.com/watch?v=0mLbirEoeys

On peut noter une préférence nette (de ma part) pour le chant et les choses qui swingent, un timbre qui perce, une cadence sans répit.
Happy as a Cold Pig in Warm Mud by Mike Boerschig

Improper contra

A1 - Neighbors balance and swing (16).

A2 - Men allemande left 1+1/2 (8).
- Partners allemande right 1+1/2 (8).

B1 - The one man and two woman star left above and the two man and one
woman star left below (8).
- Partners swing (8).

B2 - Circle left 3/4 (8).
- Balance (4).
- California twirl (4).

    Hay in the Barn by Chart Guthrie (Improper duple minor)

        A1 (16) Neighbors balance and swing.
        A2 (8) Ladies chain across, (8) Half hey, ladies pass right shoulders to start.
        B1 (16) Partners balance and swing.
        B2 (8) Ladies chain across, (8) Half hey, ladies pass right shoulders to start.

Après avoir longuement réfléchi sur mon approche à la danse de bal^^1^^ et essayé à plusieurs reprises de caractériser les idées reçues véhiculées tant par les non-danseurs que par de nombreux danseurs, je me suis rendu compte qu'il existe deux approches à la danse qui peuvent être caricaturées par leur réponse à la question suivante:

''La danse est-elle composée de figures ?'' 

Lorsque l'on répond "oui" à cette question, je pense que l'on raisonne sur certains à priori de la danse (de débutants, ou de danse savante) et que l'on risque d'en tirer des conséquences qui ne font que confirmer l'hypothèse de départ. 

Par exemple, lorsqu'il s'agit de monter une choréographie, il est très utile de considérer la danse comme une série de figures. Mais ce qui est vrai dans le contexte de la danse de spectacle ne l'est pas forcément dans le contexte de la danse de bal. Autre exemple, si l'on pense que la danse est composée de figures, on peut vouloir dédier du temps à isoler des figures dans notre propre danse (ou celles d'autres), de les nommer et de les transmettre à des élèves qui n'auront d'alternative que d'accepter cette hypothèse.

Je souhaite explorer certaines des idées symbiotiques (c'est à dire les a priori ainsi que les conséquences) d'une danse composée de figures, avant de proposer une approche alternative. Il conviendrait aussi de définir plus précisément ce que j'entends par "figure". Pour faire simple, disons un déplacement relatif à l'espace de danse ou au partenaire de danse et qui se fait sur une cellule rythmique plus ou moins longue de la musique.

!!! Comment enseigner la danse ?

La majorité des danseurs actuels rencontrent la danse au travers d'un enseignement. La danse étant un acte "total", impliquant déplacements, pas, rythme, cadence, rapport au(x) partenaire(s), rapport à la musique, expression de soi, etc.^^2^^ elle est difficile à aborder pour le novice. L'enseignement de la danse passe typiquement par un pas de base, puis par des "figures". Cela conduit le novice (et parfois même l'expert) à conclure que la danse est composée de ces figures et que leur apprentissage est un constituant majeur du passage au niveau "supérieur".

On pourrait penser que l'existence de figures pensées par des experts est en elle-même une preuve que ces figures constituent la danse. Ce n'est pas le cas puisque la conception d'un cadre permettant au novice de se sentir en sécurité et de progresser ne peut que difficilement passer autrement que par des exercices lui permettant de s'essayer à des savoir-faires isolés^^3^^ (ou figures). Que la danse soit composée de figures ou non, il me parait difficile, voire impossible, de concevoir un enseignement de la danse qui ne soit pas basé sur des exercices impliquant des "figures". 

Cela n'implique pas nécessairement qu'il y ait une utilité à apprendre ces figures en tant que telles.

!!! Comment communiquer avec ses partenaires de danse ?

La majeure difficulté de la danse de bal est la constitution du rapport à l'autre. Au prime abord il n'est absolument pas naturel, même s'il est d'une [[logique quasi inéluctable|Leading and following: physics or convention?]]. Je me souviens qu'à un moment, constatant que la mazurka pouvait être mazurka 1 2 3 mazurka 123 ou mazurka mazurka mazurka 1 2 3, je me suis dit qu'il devait être possible (par un tour de passe passe qui m'échappait) de danser l'un //ou// l'autre et de passer ce message à ma cavalière. Je me souviens encore à quel point cette idée m'a paru comme une révélation, une ambition de longue haleine... Maintenant je fais passer cette variation sans même y réfléchir, oubliant presque que pour certaines de mes cavalières, il s'agit de deux "figures" différentes (ou même deux formes de danse différentes).

Combien de fois a-t-on entendu une cavalière dire à son cavalier "désolé je la connais pas cette figure" ou "ah, je la connaissais pas, cette figure, elle est sympa". Ma réponse type comme celle de plusieurs autres danseurs&nbsp;: "T'inquiète, moi non plus".

C'est que le danseur "expert" communique avec ses partenaires au travers d'une "connection", relation qui lui permet d'exprimer le déplacement de son corps et permet au partenaire de déplacer le sien en conséquence (souvent, mais pas nécessairement, en effectuant un déplacement "demandé" par le meneur). Le meneur novice a déjà suffisamment de peine à effectuer ses propres déplacements (en plus il a appris tout plein de figures!). Confronté à un mené novice (qui a probablement appris les mêmes figures que lui), il devra simplement indiquer le début de la figure et le reste se fera tout seul (et au pire, sur une figure de 8 temps, le mené a amplement le temps de corriger un faux départ). 

L'utilisation de figures permet donc de parer au manque d'expérience du meneur et du mené - pour autant que les figures soient connues des deux - de sorte à ce que, à condition d'être attentif lors du changement à la figure suivante, le reste de l'exécution de la figure peut s'effectuer en "parallèle". Ce n'est pas forcément une mauvaise chose, mais on se retrouve alors avec des schémas de danse plus typiques du "line dancing" (madison, country, etc.), ou on ne danse pas tant "ensemble" que "dans la même pièce".

Notons enfin qu'une figure (pré-existante ou inventée spontanément) peut servir de cadre "rassurant" pour une série de variations plus subtiles, que ce soit pour le plaisir de jouer avec le cadre ou pour permettre au mené de relaxer une partie de son attention.

!!! Comment décrire la danse ?

Un extrême, hérité de la danse savante spectaculaire (dont le but est d'être présenté en spectacle) consiste en une danse totalement écrite, minimisant au maximum les imprévus et qu'un danseur ou un autre exécutera de manière identique. Evidemment, il existe toujours un espace "d'interprétation", mais il s'agit néanmoins d'une oeuvre à laquelle on souhaite rester "fidèle", d'autant plus dans un contexte collectif et scènique ou trop de liberté personnelle pourrait nuire à la cohésion de l'ensemble, ou pourrait troubler les co-interprètes.

L'auteur peut relâcher ces contraintes, laissant explicitement de la place à l'interprétation ou à l'improvisation du danseur. Face à une choréographie écrite, cela demeure néanmoins une permission accordée, un équilibre entre l'expression artistique de l'auteur et l'expression artistique de l'interprète.

Cette écriture a donc une double utilité : l'arrangement d'une danse destinée à être exécutée en spectacle et la création d'une oeuvre artistique "autonome" qui pourra par la suite être interprétée par un (des) danseur(s).

Lorsqu'il s'agit de danses de bal, si on choisit de les mettre en scène, l'écriture peut avoir ce même rôle. Mais l'idée d'écriture et d'interpretation de cette écriture est si profondément ancrée qu'on en oublierait presque qu'elle est facultative lorsqu'il ne s'agit pas de //créer// une oeuvre ou préparer un spectacle - et peut-être impossible dans certains cas. On peut décrire le "pas de base" et le "déplacement de base" de certaines danses - la gavotte, la bourrée, le lindy hop, la salsa, la mazurka - particulièrement à des fins d'enseignement, comme discuté précédemment - mais lorsque ces danses sont dansées par certains danseurs expérimentés, on serait bien mal en point d'essayer d'identifier ces bases (on pourrait presque dire qu'ils passent plus de temps en "dehors" de la base que dedans) mais ce n'est pas du freestyle pour autant. 

Pour moi, c'est parce que ces danses sont le fruit d'un processus qui ne passe pas par l'écriture (et n'est pas passé par là). La "Danse" existe parce qu'elle a une communauté de danseurs qui la font vivre chaque fois qu'ils la dansent - chaque danseur a dans sa tête une idée abstraite de ce qu'est cette Danse, qui lui permet de la mettre en oeuvre individuellement et qui contribue à la vision collective de la communauté (c'est comme pour la [[parole et la langue|Linguistique comme moyen de réflexion pour les MDT]]). 

Pour dire autrement, une Danse donnée a surement des règles très précises, dans la vision collective de la communauté qui la pratique, mais ce n'est pas pour autant qu'il est possible d'exprimer ces règles en français (ou en toute autre langue).

Au delà du pas de base la danse est souvent conçue comme étant une série de "figures". Cela peut simplifier l'écriture plus complexe (qui peut alors se référer aux figures, e.g. contredanse), permettre l'exécution spontanée et dirigée (square dancing, rueda, avant-deux), et d'autre part être le signe que la danse a bien été "écrite" à un moment donné (congo, jabadao), ou que les "paroles" collectées de la danse sont si éparses qu'il est [[difficile d'en généraliser une langue | Collectage et Danse Revivaliste]]. L'existence de ces figures "nommeés" ne doit pas être confondue avec l'idée que la danse est composée uniquement de ces figures - nous reviendrons là-dessus en examinant la construction de la danse.

Le fait que la danse s'écrit lorsqu'il s'agit de la décrire n'implique ni que la danse de bal est forcément l'exécution d'une écriture, ni qu'il est possible de complètement écrire une danse. On peut retranscrire la parole (même très fidèlement si on dispose de video), mais il ne faut pas confondre cette parole avec la langue qui l'a générée, ni s'attendre à ce que cette langue puisse être "extraite" des habitudes de ses locuteurs.

!!! La danse de bal est-elle spectaculaire ?

Petit aparté qui est en relation avec l'écriture (et aussi avec la transmission). Un spectacle, considéré comme choréographie à exécuter, a des caractéristiques particulières et prête des caractéristiques particulières à la danse. Il faut être attentif à ne pas transposer des caractéristiques inutiles à la danse de bal. Un spectacle doit être beau, doit être uni ; c'est fait pour toucher un public (si ça n'a pas précisément ces caractéristiques là, il y en tout cas un public qui sera spectateur, non-participant, et à qui le spectacle est destiné). 

En danse de bal il n'y a pas besoin de considérer un public, pas plus que quand on discute avec un ami dans un bar, on se préoccupe de prononcer un beau discours pour les oreilles des voisins. De même le regard autre, même s'il est dans une certaine mesure inévitable, n'est pas forcément bienvenu, pas plus que les personnes qui écoutent les conversations des autres. La danse est la préoccupation des participants de la danse. Dès lors, les aspects d'uniformité, de beauté, d'exécution à la lettre d'un geste idéal etc. n'entrent en compte que si tous les participants l'ont choisi.

Ce choix peut venir de deux sources : 
* Un désir d'impressionner le public (les jams circle pour un public véritablement participatif, mais sinon, on est revenu a des aspects purement spectaculaires - pavaner la jolie fille à son bras, montrer sa virilité - qui sont une partie intégrale de certaines cultures mais que chacun est libre d'adopter - ou non^^4^^).
* Un plaisir à exécuter la danse, particulièrement si celle-ci est techniquement exigente.

!!! Comment s'exprimer en danse ?

La difficulté technique de la danse en général nous fait souvent oublier l'essentiel. Le but est de s'exprimer^^5^^. On peut le faire pour son propre plaisir - exterioriser un ressenti, ou pour communiquer avec les autres danseurs, ou encore avec un public. Mais l'apprentissage passant tellement par la forme, on peut oublier que la forme n'a pas a être un but en soi. Et malgré qu'on augmente son vocabulaire pour s'exprimer en apprenant des formes (des mots, des pas, des figures), notre capacité d'expression, la "fonction" de la danse ne peut s'améliorer que par l'expression elle-même.

Le plaisir pris dans l'exécution d'une danse techniquement exigente est naturel. Cela n'empêche que cette exécution, ce n'est pas de l'expression artistique, c'est du sport. Libre à chacun de faire du sport (j'en pratique aussi, même sur les parquets de danse), d'examiner ses limites physiques et de les dépasser, mais à nouveau, en bal ce serait triste que ce soit l'approche prise par défaut.

Si la danse est considérée comme exécution d'une écriture ou comme choix dans l'agencement d'une série de figures, l'expression passe par l'écriture (travail du choréographe) et par l'interprétation (travail du danseur). En bal, l'activité choréographique étant simultanée à celle d'interprétation, on peut donc se demander s'il est utile de les dissocier. S'il s'agit d'utiliser des figures pour s'exprimer, elles ne seront que le support d'une infinité de façons différentes de les exécuter. Donc, si ces figures permettent en effet de //décrire// la trame de la danse le danseur y rajoute tellement d'autres choses qu'on ne saurait dire qu'elles sont le composant principal. 

L'utilisation de figures peut être considérée comme étant un [[cadre avec lequel jouer||Expression Artistique]] mais peut aussi être perçues comme un lieu commun vide d'expression. Rajouter de l'expression dans ces figures est alors le travail d'un danseur pas novice du tout. Or, c'est justement le danseur pas novice du tout qui n'a pas besoin de figures pour "choréographier" sa danse. Et le danseur novice va s'enliser dans des figures qui brideront son expression artistique (ou pire encore, l'encourageront à pratiquer le sport d'enchainement de figures plutôt que la danse).

!!! Si la danse c'est pas des figures, c'est quoi alors? Est-ce donné à tout le monde d'être artiste?

Mon argumentaire conclut sur un plaidoyer contre le sport et pour l'expression. Je sens le lecteur qui dit "et si moi j'ai pas envie de m'exprimer ?" ou encore "et si j'ai rien à dire ?" ou encore "et si j'ai pas les capacités techniques pour m'exprimer?" C'est là que (pour une fois) je ne prends pas le lecteur pour un nul : biensûr que tu as quelquechose à dire^^6^^ ; y'a pas besoin de capacités techniques extraordinaires pour s'exprimer ; l'expression artistique n'est-elle pas un besoin humain fondamental (ou du moins au même endroit sur la pyramide de Maslow que les autres besoins remplis par la danse) ?

C'est là un de mes grands chevaux de bataille. Pourquoi en sommes nous là, avec des artistes "professionnels" sur une scène et un public qui paie et consomme passivement? Avec au mieux un statut d'artiste "amateur" qui évite de trop se prendre au sérieux, histoire de pas marcher sur la plate bande des "vrais" artistes. L'art sous cette forme-là est important et n'est en aucun cas à éliminer - mais ca n'empêche en rien que chacun ait le droit d'avoir sa propre pratique artistique, peut-être limitée, peut-être qui n'est pas d'un intérêt national, mais qui exprime qui il est.

Une des raisons me semble être la façon que notre culture globalisée met en place la formation artistique (et la formation en général). On pratique ça comme du sport, on fait ses gammes, on conjugue à tous les temps, on apprend son vocabulaire par coeur. Sois patient, jeune padawane et n'essaie surtout pas d'avoir une expression artistique avant que ta technique ne sera parfaite. D'ailleurs, à la starac, ou sur un incroyable talent, c'est la technique qui est mise en valeur, le fait d'impressionner. Mettre ça au service d'une expression personnelle? Ca va pas la tête?

Et le résultat? Certains chanceux, par un processus qui ne me parait pas être fruit d'un enseignement, mais d'une pratique parallèle ou d'une prédisposition antérieure sont capables de s'exprimer ; et d'autres, ayant appris qu'une phrase est composée d'un sujet, d'un verbe, d'un COD et d'un COI disent: "L'arbre liquide donne la justice au réverbère". Et tout le monde applaudit sans oser dire (ou sans même être capable de penser) que rien n'a été exprimé, qu'il n'y a pas de sens caché, que c'est du sport.

Pour la danse de bal, c'est pareil. D'abord, on apprend/enseigne les bases, on (se) donne les moyens de prendre plaisir, d'avoir l'illusion de danser. Et pourquoi pas... il faut bien commencer quelque part. Mais peu d'enseignants sont dupes - le but est bien de s'exprimer, et de le faire en co-construction avec ses partenaires de danse et en complément à la musique. Pourquoi alors réserver le plaisir de l'expression et de la communication pour plus tard? C'est pas un peu prendre les gens pour des nuls? C'est pas quelquepart trompeur et dommage que les novices en danse prennent souvent plusieurs années pour comprendre le genre de plaisir qu'y trouvent les "experts"? Pour ma part, en tout cas, j'ai découvert ça *malgré* les stages et ateliers de danse que j'ai pu suivre (sauf exceptions), plutôt que grace à eux.

Bref... la danse de bal, c'est utiliser son corps pour s'exprimer et communiquer avec ses partenaires de danse, en s'appuyant sur la musique. C'est pas évident, surtout au début. Mais ça n'empêche qu'on peut avancer simultanément sur différents plans (connection en danse de couple, pas, expression personnelle, musicalité, même à la limite des figures), plutôt que donner à l'illusion au novice d'apprendre à danser alors qu'on lui réserve la partie la plus importante pour plus tard^^7^^.

Il faudrait regarder de plus près les autre "composants" de la danse pour voir comment les mettre ensemble pour une meilleure pédagogie de la danse^^8^^. Une chose me parait sûre: apprendre des figures aux meneurs débutants c'est d'un intérêt limité ; apprendre des figures aux menés débutants c'est complètement contre-productif. Mais j'avoue ne pas être certain de savoir ce qu'on devrait leur apprendre à la place, pour leur permettre de prendre plaisir sur le parquet dès le premier jour... 

Le modèle de la danse "bal folk" paraît intéressant, puisque l'atelier enseigne en général une figure par danse, exécuté tel quel au début puis qui est progressivement varié, sur le parquet de bal. On pare à l'ennui en multipliant les danses. Certains passeront ensuite par des ateliers "variantes de scottish" etc. Les plus chanceux y échapperont ou n'en tiendront pas compte (et seront modérés dans leurs ardeurs lorsqu'ils se rendront compte que pas tout le monde connait la variante numéro 55). Parfois on arrive à la vérité profonde que la même "figure" (la "base" de la scottish par exemple) est tellement variable à l'infini qu'on peut danser toute la danse en donnant, au regard extérieur cherchant à y voir des figures, l'impression qu'il n'y a qu'une seule figure, toujours là même.

D'autres modèles d'enseignement (par exemple celui qui est commun en lindy hop) passent par l'enseignement de figures qui mettent en pratique des concepts plus fondamentaux. Ainsi les friands de figures ressortent avec leurs nouvelles figures et les enseignants peuvent quand même avoir l'impression d'avoir fait passer l'important de leur message. Ca rappelle un peu les stages de musique ou certains participants sont déçus quand de nouveaux morceaux ne sont pas abordés - alors que le but est justement d'enseigner la technique en utilisant ces morceaux comme chantier de pratique. Ca a l'air de marcher, mais ça reste quelque part un peu malhonnête et ça contribue à faire croire que la danse est composée de figures.

!!! C'était quoi tes deux approches à la danse alors? Ce texte est tellement long que j'ai oublié...

A proprement parler, les "figures" ne sont que le symptôme du plus grand mal qui est de primer la technique et le fait d'épater un public sur l'expression artistique. Grossièrement dit, de pratiquer du sport.

Les novices sont les premiers atteints, puisqu'ils n'ont pas le recul nécessaire pour mieux évaluer le bien fondé de différentes approches pédagogiques. Biensûr, si l'on souhaite épater un public et avoir un niveau technique époustouflant - qui peut tout de même être mis au service d'une sensibilité expressive - pourquoi pas... mais il faut savoir que ce n'est pas l'unique option.

Cette approche est souvent celle des arts spectaculaires et savants ou l'aspect "sportif" est souvent considéré nécessaire (en complément, évidemment, à l'aspect artistique), pour trouver les meilleurs, les futurs stars, pour professionnaliser et produire des valeurs sures qui exécuteront à chaque fois des sans fautes devant l'admiration d'un public qui a été endoctriné à consommer cette forme de pratique.  Quoi qu'on en pense (je pense que c'est très triste, surtout parce que ce système ne permet pas de remettre en question la nature des "bases techniques" que chacun "doit" respecter et maitriser), il n'y a aucune raison que de telles considérations s'appliquent à la danse de bal.

Il s'agit là d'arts participatifs où les seuls concernés par l'expression (et sa qualité) sont les participants eux-mêmes. Ces arts, comme la danse de bal, la musique et le chant de boeuf ou de session me paraissent importants car ils permettent à chacun d'oser avoir une expression, limitée peut-être par le niveau technique, mais où c'est ce sentiment de limitation qui nourrira le désir d'amélioration technique, plutôt que le jugement extérieur qui imposera des bases techniques (par exemple, des figures) au mieux inutiles, au pire nuisibles.

# Sous-entendu non-spectaculaire et populaire: salsa, tango, lindy hop, danses populaires européennes, danses traditionnelles françaises.
# Cette liste ne prétend pas être exhaustive et même si elle l'était, je ne suis pas sur qu'on retrouverait la danse en recomposant à partir de ces constituants isolés.
# En maths, par exemple, la résolution d'équations du second degré et de triangles rectangles aux deux mesure connues ne présentent pas en elle-mêmes un quelconque intérêt, mais permette d'aborder des versions simplifiées de problèmes beaucoup plus complexes.
# On voit là mon parti pris, j'essaie d'éviter de me montrer en spectacle, signe d'un ego démesuré et activité qui me distancie de mes partenaires de danse - à moins qu'eux aussi veuillent se montrer - ce qui n'empêche qu'il est rare que je réussisse à entièrement ignorer les regards extérieurs.
# Cette expression peut être "[[artistique]]" ou simplement celle du plaisir qu'on prend à danser (cf. la citation attribuée à Isadora Duncan: "Si je pouvais vous dire ce que ca signifiait, je n'aurais pas eu à le danser").
# Encore faut-il se connaitre suffisamment soi-même pour le dire - mais ce n'est pas une histoire de technique, simplement de se lancer, de se découvrir, d'oser.  
# Ca rappelle un peu le débat "apprendre à nager avec manchons, apprendre sans".
# Il y a des enseignants qui l'ont déjà fait, que ce soit consciemment ou inconsciemment - mais ils ne sont de loin pas majoritaires.

Cf post about expression when editing
[[5 videos]]
This post was written in part as a reaction to http://www.swingnick.com/238/defining-a-dance/

One of my strong annoyances lies in the way modern culture confuses style, technique, vocabulary and expression. It not only hampers getting at what is important (to my eyes) but also taints the way people talk about dance and music. Of course these aren't the only words for these concepts and the way I define them is probably not the only way. But I'm fairly certain that, whatever words we put on them, the following concepts should not be confused.
This has two aspects. One is that technique is the foundation of vocabulary: there are things that you cannot say or do if you don't have the basics down. The second is structural (good posture, doing a given movement "correctly") and ranges from something that all can agree on (your technique should not cause or increase the likelyhood of permanent injury) to things that are often arbitrary and taken as ground truths ("you should hold your violin and bow in this way") despite many examples of people "overcoming" a supposed lack of technique ([[Liz Carrol's left hand hold on fiddle|http://www.youtube.com/watch?v=D4fT5V14uns]] and [[Michael McGoldrick's shoulder hold on flute|http://www.youtube.com/watch?v=oUrZ6j9O-_s]] being prime examples). There is no harm in encouraging beginners to seek out "perfect" technique, but I feel uncomfortable when, in art, technique becomes a stylistic element, admired for its own sake (check out the comments of any amateur youtube violin video to see people comment on bow holds, wrists, vibratos, posture, tone, intonation and all that rubbish which is absolutely meaningless in the grand scheme of things - is it good music?).
This is what you do with your technique. In dance it's the "moves" (although I would argue that while dance can be analysed as a sequence of moves, it should not be thought of as [[constructed in that way|De quoi est composée la danse ?]]). In music it's the arpeggios, the phrases, the ways of ornamenting, the ways of varying. When peformance art is prepared (composed or choreographed) what is often decided on is vocabulary. When improvising, elements of vocabulary are put together (again, this is post-hoc decomposition into elements of vocabulary, which does not necessarily imply intentional combination).
Style is both the individualisation of art and the collection of individualisations which define genres. Lindy hop, classical music, waltz, tango, bourrée, etc. It is in some way akin to dialect in language, except that, instead of serving the purpose of mutual intelligibility, it serves the purpose of "shortcut to creativity". While vocabulary and technique sometimes incorporate or become part of stylistic elements, I believe it is fundamentally style which creates the boundaries from one genre to another, and a sufficient body of individuals pushing in a new direction which creates new stylistic schools and, eventually, new genres. Style is problematic - because it's usually hard to put into words - and hard to teach. And often confusion between technique and style causes uniformity where there is no need for it. Style can also be mere "passing" fashion when it doesn't go into a new genre or is not considered essential to a genre (like the "rolling triple step" of many early 2000 "groove" lindy hop videos).
Expression (which some people often call "emotion", a whole 'nother discussion I won't go into here) is the statement you are making. It is what is fundamentally important in art. It's what distinguishes art from sport. In sport, perfect technique can be admired both for its own sake and for the better performance it enables (though "rogue" skiers such as Bode Miller have shown how finding the best movement for one's own body can be better than technical perfection). In art, what you say is where it's at.

So what kinds of things do performance artists say? They can express a choreography/composition. Or they can improvise, be creating on the fly. The two are different but can be looked at in a similar way.
* "Look how awesome I am - because I have the technique to do this element of vocabulary which no-one else can do". Nothing wrong with showcases, but they don't express very much and must be masterfully inserted into the statement the artist is making (if there is one beyond "look how awesome I am").
* "Here is where I would like to take the genre - while preserving its major stylistic elements". These statements explore the boundaries of genre. What can I do in this medium? They are slightly more powerful statements. I feel they are also the riskiest kind of statement. They can fall flat, particularly in cases where the genre has already been there (usually 20 years ago): playing bagpipe tunes on guitar; playing guitar tunes on bagpipes... how boring! Expressing something else than joy and exuberance in Lindy? That's considerably better (Jerry Almonte [[argues that this first happened/became pervasive about 10-15 years ago in Lindy]]). These statements are about choosing a set of artistic constraints which work well together. When a particular set of constraints fit well together, a new genre may emerge. On the other hand, they are very "meta" statements which can only be understood by someone familiar with the genre. 
* An extreme version of these statements can lead to reconsidering what the whole art (dance, or music) is about. I believe we are powerfully in the need of new such statements, to get away from the pop culture "performance art is about showmanship" which is currently so pervasive. The whole "beautiful lines" thing which seems to be the norm these days in Lindy says something very strong about what performance dance should be and where Lindy fits into the rest of the dance world.
* "Here is how I see the world". These statements are hard to make in non-figurative performance art and are more often to be found in painting or literature. They can nevertheless exist, particularly in retelling a classic story (e.g. lovers meeting). These statements are important to connect a genre with a wider audience. 
* "Here is who I am". The quintessential statement. It can be about who one is in the absolute, or who one is right now (or who one is acting as being). I like the honesty, the "in the moment"ness, the ephemerity of these statements, particularly when they are made in the context of social partner dancing. We are not waxing philosophical, we're saying "here is how it feels to be me, dancing with you, to this music, at this time, in this place". This is the kind of statement that anyone can make, even with limited vocabulary and technique. I also believe it is the fundamental power of music and dance to allow anyone, regardless of their ability, to communicate, to express themselves and, often, to get off their chest things that words cannot express.
* "I'm going to be entertaining". A relative of "look how awesome I can be", which is possibly orthogonal to the rest of artistic expression, but it specifically focuses on audience entertainment - something which some consider to be a cheap trick and which others consider the primary role of artists.
!!Where is the problem?

The main problem, as I see it, is that we (human pop culture as a whole) currently overemphasize beauty (and showmanship) and technique. Beauty is only one of the ways to make a statement about what performance art should be, but it isn't even the only way to make such a statement, let alone the only kind of artistic statement that can be made. Showmanship is kind of orthogonal to expression but seems to best suit a race to the bottom (in that most of the expression I describe above cannot be perceived without a certain cultural background, but anyone can be impressed if they feel entertained).

But the worst is technique. My current pet theory is that with the increased need to be able to judge art (competitions, hiring decisions and teaching/assessment being the major culprits), we have needed to curricularise art. By focusing on technique, we turn the subjectivity of art evaluation into something more objective; we also sidestep the difficulty in teaching people to be artists, to be expressive, to be creative, because there are so many technical things to teach instead. The loop is now complete and hard to escape, because people who have themselves worked so hard on technique have a vested interest in admiring it for its own sake rather than for the expressivity it allows.

(This focus on technique also makes it easier for the general public to appreciate "art" - because then the only reason they don't do art is that they think they need massive amounts of technique - rather than the simple desire to take a risk. It also simplifies art understanding - you can listen to a judge claim that the singing wasn't in tune - and nod your head in agreement, as if in-tuneness even matters all that much - or can be objectively evaluated).
!!Back to defining a dance

So... what does this mean for the post that sparked all of this. From my descriptions above it will come as no surprise that I think that what defines a dance is its style - not its vocabulary, its technique or what it expresses. And for a post about defining the dance, Nick talks surprisingly little about style (except where he confounds it with the decried free for all of "feeling it") and rather too much about expression and technique.

>The assumption of defining a dance is that it involves telling the dancers where they have to be on every count and how they have to execute the movement. This builds into the argument that the best dancer is merely the one who is able to master the technique laid out before them. What this has brought about in the Lindy Hop community is a celebration of style over technique. “Feeling it” is higher on the food chain than beautiful movement.

The first place where I feel Nick is wrong is in mapping "style" and "technique" onto "feeling it" and "beautiful movement". I think he is right that Ballroom is a worrying direction because they have melded "technique" and "style" to the point of dogmatism, severely limiting expression (there is something happening with vocabulary as well, but I don't know enough about Ballroom to talk about it more). Beautiful movement isn't (to my mind) in the domain of "technique". Technique is a pre-requisite (you need the technique to let your body create the beautiful movement you intend for it), but style (swivels are beautiful in lindy - though when I first saw them, danced by Frida no less, I remember thinking they looked silly - reassuringly, I no longer think that) and especially expression are where beautiful movement is at. "Feeling it" is also an expressive element (and a particularly interesting one because technique isn't necessarily a pre-requisite). So the "feeling it" vs "beautiful movement" distinction is not, to my mind, a concern of style, but of kinds of artistic expression and the statements they make.

>Dance, like any other art form, is a skill-set. Mastering an art form takes mental and physical effort as well as time. There is a process most people follow in learning. The first step is to learn the trade and techniques that encompass the art form. Next is copying great works of those before you. Followed by the phase where one picks and chooses styles and techniques from different sources to construct your own style. The last phase is to include your own self expression, creativity and ingenuity to the art. There are exceptions, of course, but the majority of people follow this course.

This! This is exactly what is wrong with art education. We expect people to follow this path. Why should expression be the province only of the technical masters? How much technique is needed before you can find your own things to say? What about the vast majority of people who will never be technical masters - and who will take years and years to acquire the stylistic elements of a dance form (if they ever do). Of course, I am not arguing for expression as a //replacement// for technique, or suggesting that it is possible to make profound artistic statements without bags of technique, but expression should be developed in parallel to technique, from the get-go. (Isn't that the goal for music and dance, to express stuff?)

Nick goes on to explain that in partner dancing, lack of (good) technique is even more detrimental because it spreads. This is true, but the flip of this is that lots of good technique is not necessary to set up a very meaningful dance conversation with your partner.

>There is an advantage for some to avoid defining, or loosely defining, a dance. It gives them the freedom to do whatever they want with no consequences in the name of self expression. The mentality “you can’t tell me what I’m doing is bad because I’m feeling it”. That in a street dance there are no rules. 

Technical rules can be argued for or against, usually with no more argument in defense that "all the good dancers do this" (in lead-follow dance, these rules have a practical embodiment - if the lead isn't successful, the technique behind it can be argued to be poor).

Stylistic rules are hard to verbalise (maybe even impossible - but that doesn't meant the rules don't exist). So you can probably say to someone that they are not doing Lindy. Unless they thought they were and what they are doing loses all meaning if it's not Lindy, I can hardly see why that would matter.

>The goal of every dance is to combine great technique with the emotional aspect.

Expression (?emotion) has nothing to do with either technique or style. There is either great expression (and the technical chops needed to express it) or there isn't. The only reason to put great technique in is if it serves the artistic expression (or to pander to the rules of a contest or the expectations of an audience).

Nick then gives a video example of someone who is "feeling it", but can't dance. He says it sucks because the balance between emotion and technique is not there and so he doesn't get pleasure out of it because it's not "good dancing". I say it sucks because it doesn't know what it's expressing - there are aspects of fitting (very badly - e.g. because of lack of basic musicality) into a genre, aspects of (very poor) showmanship and some pretty nice aspects of "this is who I am". There is definitely an aspect of technical limitation, but with a more appropriately chosen discourse, the expression could be really touching and personal - even if not that profound (statements about who we are are rarely all that profound - but that's the beauty of social dancing - you express fleeting, ephemeral things which disappear as soon as the moment is over, which do not need to be profound).

So there you have it. Nick's copout is to claim that there are ideas, styles and techniques that are "better" than others - and that good dancing uses these better techniques. My copout is to claim that it is possible to judge artistic expression based on what it is trying to say and the means that it uses to say it.

But especially, these aspects of technique and expression have very little to do with actual style, genre or dance definition. Nick claims that the root behind not wanting to define style (e.g. putting a definition on Lindy Hop) is the fear (of the "feeling it" crowd) that it would open doors to judging dance on its technical merits. It think it is not necessary (maybe not possible) to verbalise style - but that even if we do, it is important not to confuse "good technique" and "style". That is exactly what I would accuse Ballroom of having done. And is apparently what Nick is all too ready to do himself.

So, if we want to get all geeky about defining dances and styles, that's fine by me. But let's not confuse this kind of discussion with the one about whether good dancing has to have good technique. And when we come to that discussion, I will definitely be arguing that good technique is only the means to an end and that we already focus on it way too much.
On the one hand, I am convinced that design is when form and function merge perfectly. On the other hand, I usually advocate exclusively for expression, regardless of technique (although the more technique you have, the more fluency you have to express what you want). So I wonder whether expression is about both form and function (or maybe form is style, and part of the expression is what you have done with it?).
Tiddlyspot doesn't have comments, but you can always email me:
gregdyke@gmail com
Found on the net: "yes dancing"

http://taintwhatyoudo.wordpress.com/2011/11/15/teaching-tool-giving-students-a-vocabulary/ (improving feedback amongst students by giving them words with which to articulate feedback) -- this is similar to what I've see from Kevin and Jo

1) non-touching connection (would need to prepare for this with
someone - or bring Lisa in)
2) musicality and "step quality" (flat, bouncy and a bunch of other
things I don't have words for yet): different musics have different
pulses running through them, e.g. a 1 2 1 2 boum tchak boum tchak
rhythm can be danced "up-down up-down up-down" or "down-up down-up
down-up" or "down down down down down down"
3) bluesy mazurka - http://www.youtube.com/watch?v=v7Upg0GSpgU
Could also do that to 3-county blues
4) swung chain dance steps - there are dozens of variations on gavotte (lateral progression, arms locked side by
side) based on 1 2 3and4 5 6 7 hold. You can move the "and" to 1 2 3
4and5 6 7 hold: you can place various footwork on top of it (e.g. LR
LrL Rrl R_ ); The music purposefully swings from an equal
"cha-cha-like" triple step to a "lindy-like" triple step etc.
This statement probably doesn't actually apply, because of limited contact I've had with the fusion community, but when I've see "fusion" dancers do e.g. waltz, they always astonish me by how much artificial limitation they have in their dance. If they believe so intently in finding the perfect match between music and body movement, shouldn't they study *waaaaaay* more dance? 

There are all the european trad styles I know, for a start. And then so much more, throughout the world...
I'm in two minds about this. 

On the one hand, dancing by yourself is about being comfortable in your body (without which you will not be leading with your body), dancing purely to the music (as opposed to with the music as a tempo guide). In other words, the best thing you can do to work on dance is work on solo dancing.

On the other hand, the beauty of partner dance is that you can take pleasure in creating something together that doesn't exist at all in solo dance. And that someone who is not a great solo dancer can still bring pleasure to their partner because of sharing the joy of something.

We should also distinguish "solo dancing" as in actually studying and performing dances which are for one person from "knowing how to dance on your own". 

Brenda Russel: If you can't bring it, don't try to make me do it.

This is connected to the idea that movement creates connection: one's own dancing is what leads the other person to dance; trying to "make" another person dance without dancing oneself is doing things in the wrong order (causing way more complication than necessary and being stilted and un-natural)

Because of body mechanics, the movements that we perform ourselves are naturally mirrored (or paralleled) by the person we are dancing with. If I take a rock step (left foot back) in Lindy, my right arm goes back and my left arm goes forward and up (because my center moves, back, the left arm actually stays in place). This is exactly how the rock step for the follow happens. I don't need to push them, pull them, wink at them or signal them - my body movement is simply dance and it is both allows the follow to feel what my body is doing and contributes to the body movement they will need to mirror me.
!!La danse traditionnelle en France : d'une ancienne civilisation paysanne à un loisir revivaliste.

Voici mes longues notes de lecture sur ce livre, agrémentées (ou encombrées) de quelques commentaires liés à ma réflexion et démarche vis à vis des MDT. Malgré l'étendue de ces notes, le but est de donner au lecteur l'envie de découvrir ce livre par lui-même, ne serait-ce pour bénéficier de la plume agile et espiègle de Y. Guilcher et des nombreuses anecdotes croustillantes dont le texte est parsemé.

!!! Introduction aux notes

Le livre est présenté comme vulgarisation vers un public non spécialiste. Il se lit plutôt bien en tant que tel, mais il en résulte une absence de la structure habituelle d'un document "scientifique". En particulier, il n'est pas fait d'effort meta-textuel: pas d'introduction présentant la structure du texte, pas de conclusion qui résume les points clés. A la place, une prose abordable et séduisante qui laisse au lecteur l'effort d'en tirer ses propres conclusions. Cet effort donne l'impression à chacun qu'il exerce son libre arbitre pour tirer des conclusions alors que celles-ci sont déterminées par le contenu du texte. Combiné aux propos forts raisonnables de Y. Guilcher et à ses affirmations répétées que //l'honnête homme// devrait se renseigner auprès des résultats de la recherche plutôt que de se contenter des //"bienséances de l'idéologie"//, ce livre accomplira son but auprès de tous apart les plus allergiques à ses conclusions: persuader le lecteur de la justesse des ses propos. C'est bien la majeure chose regrettable - en tant qu'unique ouvrage de son genre, il n'est pas aisé de forger sa propre opinion sans se "farcir" près d'une centaine d'autres ouvrages - soigneusement conseillés dans la bibliographie et dont on a l'impression qu'ils ne feront que confirmer ce qui est dit dans le livre.

Ce livre ne traite presque que de la danse, laissant le lecteur sur sa faim au sujet de la musique - qui a peut-être une autre histoire à raconter et, de part son lien avec la danse, une autre perspective à apporter.

Par ailleurs, et malgré que l'auteur demande de ne pas voir //"dénonciation polémique là où il n'y a que regard critique"//, on imagine aisément que ce livre est une façon pour Y. Guilcher de poser au clair les choses une fois pour toutes et de dénoncer (ou regarder critiquement) tout un tas d'idées reçues, de méthodologies douteuses, d'interprétations de collectages, de bienséances idéologiques, de pratiques de formateurs et de groupes folkloriques, et d'autres attitudes vis à vis des danses traditionnelles et leur rapport avec notre pratique actuelle.

!!! Structure du livre

Cet ouvrage se découpe en dix parties inégales, complétés d'une "Anacrouse à la 2e édition", d'un "Avant-propos que l'on peut lire après", d'un "Lexique" qui règle des comptes quand à certaines définitions (an dro, bourrée, fest noz, kan ha diskan, bal folk, etc.), et de "Quelques lectures à l'intention de l'honnête homme et de la femme éclairée". Les quatre premières parties décrivent la recherche et ses enseignements au niveau de la danse et son rôle dans la société et s'agence en une série de tiroirs qui s'ouvrent. Suivent deux parties examinant la société dominante, ses danses et le rapport avec les milieux traditionnels. Puis viennent deux parties sur l'histoire des sociétés traditionnelles. Enfin, les deux dernières parties traitent de la fin de la société traditionnelle et de ses danses, ainsi que de l'histoire du revivalisme.

; En amont du "folklore", une ancienne tradition populaire
: Cette section examine ce qui est entendu par les danses populaires traditionnelles et comment on peut les connaître. On en conclut que seule l'enquête sur le terrain soutenue par une méthodologie soigneuse, recoupée avec des documents historiques peut nous informer. Les mérites et limites de telles enquêtes sont aussi décrits.
; Les enseignements de la recherche
: Cette section décrit dans l'abstrait les choses que la recherche peuvent nous apprendre (et, par omission, ce que la recherche ne peut pas nous dire)
; L'évolution des répertoires
: un premier résultat de la recherche concerne l'apparente universalité dans l'ordre d'apparition des formes de danse. ronde -> chaine -> chaines courte -> quadrettes -> couple. On peut sauter des étapes et voir différentes étapes co-exister, mais on ne voit pas l'inverse se produire.
; La danse traditionnelle comme mise en ordre sociale
: Ce que les formes de danses ont à nous dire sur la société, et réciproquement

; La danse récréative dans la société dominante
: Retracer l'histoire de la danse "non-traditionnelle"
; Relation entre société dominante et milieux traditionnels
: On en conclut qu'il n'y a eu que peu d'échanges au niveau de la danse: l'élite n'ayant presque rien récupéré de la société paysanne et la société paysanne n'ayant presque rien récupéré et adapté... jusqu'au début de son déclin.

; Histoire et histoires
: Chaque région a son histoire, qui influe sur l'histoire de ses danses et ne permet que difficilement de faire des généralisations d'une région à une autre. Les histoires très différentes de la Basse Bretagne, l'Auvergne et de la Provence sont décrites à titre d'exemple.
; Les milieux traditionnels dans l'histoire
: Le catalogue de ce qui différencie et fait la particularité des cultures traditionnelles

; La fin d'une histoire
: Comment la société traditionnelle s'est transformée, abandonnant les modes de vie auxquels étaient intégrées les danses traditionnelles
; Une autre histoire
: L'histoire du revivalisme augmenté d'un regard sur ses pratiques communes et un plaidoyer pour son importance dans notre monde d'aujourd'hui, de part les pratiques communautaires et la qualité de la culture "revivalisée".

!!!En amont du "folklore", une ancienne tradition populaire

* Les "danses folkloriques" (et autres //"appellations incontrolées"// telles que "danses nationales [des Basques, du Massif Central, etc.]", "danses régionales", "danses traditionnelles", "danses populaires") ont les caractéristiques suivantes:
** D'être régionales
** D'être d'autrefois
** D'être populaires (dans une région donnée, elles ne touchent pas toutes les classes sociales, mais appellent la ferme et la campagne, plutôt que le salon et la ville)
* On peut se poser les questions d'où elles viennent, quand, comment et pourquoi
* Il existe beaucoup de théories spéculatives qui ne résistent pas à la critique car fondées sur l'intime conviction de leurs auteurs plutot que sur des faits. Quelques exemples de ces théories:
** climat, relief, caractère détermineraient les danses
** danses à fonction symbolique ou rituel
** origines dans l'emprunt à l'élite 

* Ces théories sont remises en cause par l'enquête sur le terrain. Peu d'enquêtes qui vont au delà du collectage (càd qui ont des problématiques de recherche, une méthodologie scientifique): //"Il n'y a pas d'enquête sans investigation exhaustive des sources de toute nature et sans critique systématique de tout témoignage"// (p. 21).
* Seules enquêtes systématiques en France: J.-M. et H. Guilcher (parents d'Yvon), partant du constat que //"l'étude de la danse folklorique est plus riche de théories explicatives que de faits concrets à expliquer."// (p.22)
** 1941: sondage de quelques régions (Berry, Forez, Savoie, Lavedan, vallée d'Ossau)
** 1945-60: 375 communes de ~Basse-Bretagne
** 1962-63: 23 communes en Berry
** 1965: 23 communes en Vendée
** 1966: 10 communes en Roussillon
** 1964-67: 30 en Aveyron, 11 en Lozère, 22 en Cantal (~RCP-Aubrac du CNRS)
** 1978: 33 communes en Dauphiné
** 1962-1976: 175 communes en pays Basque et Béarn
** Elaboration d'une méthodologie pour critiquer ces enquêtes [//A trouver et lire//]
* Mérites des enquêtes:
** Exister: remplacent la spéculation par l'observation
** Inclure toutes sources écrites
* Limites:
** Date tardive à laquelle elles sont entamées
** Démarche à la limite entre travail d'ethno et travail d'historien
** Tout vu au travers du prisme des "informateurs" dont le témoignage est à la fois //"historique et conditionnée par une histoire récente"//  (e.g. un informateur interrogé en 47, 49,  53 et 76 et 80 qui parlera de "fest noz" en 80 pour désigner des choses qu'il ne désignait pas auparavant sous ce nom, un autre qui en 1950 dit que la tradition s'est arrêté avant 1914 et maintenant dit que ça ne s'est jamais arrêté. Un autre qui dit "chez nous on appelle ça un laridé à six temps", d'une danse qui n'a jamais été dansée chez lui avant le revivalisme et qui était pas désigné comme ça, mais comme "laridé à deux coups").
** Que des opinions qu'il ne faut pas prendre pour des faits, ni éliminer sous prétexte que ce n'est qu'une opinion
** Le recoupage d'opinion est nécessaire, mais ne suffit pas (une idée reçue peut être partagée sans être un fait pour autant). Pareil pour l'uniformité d'un geste dansé.
** Le nombre restreint d'informateurs peut mener à confondre parole (geste individuel) et langue (permet à chacun d'avoir "sa" parole). Un informateur par village = une danse par village, alors que 5 informateurs par village peuvent montrer que les variations sont distribuées "également" (et donc qu'il n'y a qu'une dance avec un certain degré de variation). Par exemple, gavotte de Poullaouen, Plouyé et Scrignac ne sont qu'une seule et même dañs tro. Pareil pour les rondeaux de Garein, d'~Aire-sur-Adour et de ~Saint-Yaguen. //"Le paradoxe, c'est que ceux qui répandent ces appellations incontrôlées passent [...] pour des spécialistes avertis: Ne sont-ils pas au fait de différences qui échappent au profane ? L'ignorance du profane assure alors l'impunité à tous les dogmatismes ; et le revivalisme fourmille de "connaisseurs" qui vous disent: "dans telle localité, on fait tel pas, dans telle autre, c'est différent". Le profane se doit d'être méfiant et exiger des preuves, lui qui n'a aucun moyen de vérifier par lui même le bien-fondé de la conviction puisque, où qu'il aille, la pratique observable elle-même découle désormais de tlles convictions."// (p. 27)
** Les informateurs ont souvent été réticents à montrer ce qu'ils savaient, voulant cacher ces trucs de "ploucs" de leurs enfants et petits-enfants.
** //"Le danger serait de croire que nous connaissons bien la danse traditionnelle, qu'elle serait venue à nous par sa seule longévité."// (p. 28)
*** C'est pas le cas. Et en plus, la pratique revivaliste à bouché bien des trous, nous donnant l'illusion de savoir là ou on sait pas
*** Les témoignages sont lacunaires et contradictoires
*** Les témoignages sont majoritairement le fait, non de l'ancienne tradition, mais de //"mécanismes post-traditionnels de maintien"//: Modèles individuels ou familials, pratiques transposées au bal, enseignement, feed-back du revivalisme.
*** Ce qu'on sait, on ne doit pas à la tradition, mais à la recherche. Avant que cette recherche soit entamée, on avait quasiment que des répertoires fabriqués ou fantasmés par les groupes folkoriques

*Critiques de l'enquête:
** Quantité de témoignages
** Qualité des témoignages
*** Qui est l'informateur et qui lui confère une légitimité (lui même? l'enquêteur?) //"[P]lus il sera exotique à vos yeux, et plus vous y verrez la tradition, la vraie, l'ancestrale"// (p. 31)
*** Quand l'informateur a-t-il découvert les danses (le plus souvent dans l'entre-deux guerres, voire pendant les bals clandestins sous l'occupation)
*** Plus on confère à l'informateur son statut, plus il se sentira légitime et "détenteur de la tradition".
** Ces témoignages peuvent répondre à certaines questions mais pas à d'autres. Et sans comprendre l'histoire de comment les témoignages nous sont parvenus il est impossible de les interpréter.

!!!Les enseignements de la recherche

* Limités par la date et le lieu: en 1850, en 1930, en Champagne ou en Auvergne, on apprend pas les memes choses
* Peuvent nous renseigner sur:
** Façon dont la population à usé de la danse
** Composition du répertoire (aspects musicaux et moteurs, variation, place du chant et des instruments)
** Mécanismes de transmission 
* La recherche nous apprend que là ou c'est facile d'expliquer sans s'appuyer sur des faits, il devient beaucoup plus difficile de comprendre avec - d'autant plus que ca nous démolit autant de choses qu'on croyait savoir que ça nous en apprend de nouvelles.
* Les premières recherches des Guilcher ont voulu s'intéresser à la danse, mais peu-à-peu se sont intéressées au danseur
* Entre autres parce qu'il y a une différence entre le geste dansé exécuté par le danseur traditionnel et le geste dansé exécuté par le collecteur, aussi parfait qu'il soit. //"La danse traditionnelle c'est ce qui reste du moiuvement après qu'on en a tout analysé. Ce qui [...] se dérobe constamment à l'analyse c'est la saveur qu'un danseur paysan donne à sa danse [...] et qu'on ne retrouve pas chez un danseur non paysan, si brillant qu'il puisse être."// (p. 43)
* Comparaison à la langue: l'écriture phonétique traduit ce qu'on peut analyser, mais il y a un reste, négligeable du point de vue structurel, mais fondamental du point de vue de l'ethnologue. //"[la danse traditionnelle] est moins une façon de faire, qu'une manière d'être"// (J.-M. Guilcher, p. 44). 

[//Ca me parait être du mysticisme mal camouflé cette histoire là. En tant que positiviste, il me parait invraisemblable que quelquechose puisse résister à l'analyse. Que ça puisse résister à l'écriture? Oui, mais alors c'est que la notation ne suffit pas. Ou à la perception de l'observateur? Une fois que l'observateur peut percevoir les différences (ce qu'il peut manifestement faire, vu qu'il reconnait que sa danse n'est pas pareille), il peut noter la parole aussi précisément que nécessaire et la répeter. Peut-être que c'est de passer de parole à langue qui est difficile, des phones aux phonèmes, puis à l'exercice inverse qui est de créer une nouvelle parole à partir de la langue extrapolée. Ou peut-être, comme le suggère la citation de J.-M. Guilcher, c'est justement ce qui est raconté par cette parole qui est différente. N'ayant pas les mêmes préoccupations, ne vivant pas dans la même société, nous ne racontons pas les mêmes choses en dansant. Si ce n'est que le dernier, c'est "normal". Mais si c'est l'un des autres, ca serait dommage, puisque c'est alors ce qui fait la richesse et la singularité du mouvement qui risque de nous échapper.//]

* Après avoir passé son intérêt au danseur (et sa "parole" en danse), on peut s'intéresser à la société (et sa "langue" en danse)
* Quelle variabilité, quelle caution de la variabilité, ou finit l'idiomatisme et commence le barbarisme? 
* S'intéresser à la société ne vaut que si langue est "vivante", c'est à dire langue maternelle. Sinon c'est du revivalisme.

* La danse a des fonctions (dans les milieux traditionnels) non seulement de divertissement/récréation mais aussi pratiques (e.g. battre la terre), cérémonielle, "magique", de spectacle.
* Lorsqu'il y a un répertoire propre à la fête (par opposition à la vie de tous les jours), c'est que la fête revet une importance
* On peut distinguer les répertoires uniquement spectaculaires (càd qui mettent une partie de la population - féminine ou non sélectionnée pour "représenter" la population - en spectateur) et qu'on trouve dans certaines régions, dès répertoires réunissant toute la population et qu'on trouve partout.
* Ce 2e type de répertoire peut exister dans des contextes précis (noce, tasser l'aire à battre, faire fuire les serpents), mais alors la dance précède cette fonction et existe aussi sans elle.
* La danse a meublé tous les instants de loisirs - plaisir par excellence des milieux paysans - et témoin de la qualité de leur civilisation.

* Ce ne sont pas des danses à regarder, mais à éprouver - il n'y a pas de symbolisme du geste.

[//Ca conduit Yvon a remarquer que l'ethnochoréologue qui ne danse pas passe à côté de l'essentiel, puisqu'il ne va pas ressentir la danse. J'aurais tendance à extrapoler ça à l'enseignment - il faut pas montrer la danse, mais faire vivre la danse//]

* Ce qui est valorisé lorsque les danseurs se mettent à leur avantage, c'est pas l'esthétisme du geste, mais l'endurance et l'athlétisme
* Entraine une non-compréhension par rapport aux danses de l'élite, particulièrement le ballet, ou le rapport à l'autre, s'il existe, est signifié pour le public
* Aussi un problème essentiel pour le folklore - introduction d'éléments qui rendent la danse intéressante à voir - et par la même passage à coté et élimination d'une part de l'essentiel: ce que la danse fait ressentir depuis l'intérieur. (sans compter l'idée incongrue de montrer ca en spectacle)
* Hormis chez les provençaux et chez les basques souletins, la transmission ne passe pas par l'enseignement mais l'immersion. (et Y. Guilcher met en avant des arguments selon lesquels le premier aurait des visées savantes, alors dans la soule cet enseignement serait une réappropriation traditionnelle). 
* //"[D]u jour ou les jeunes ont eu envie de faire d'autre chose que la danse des vieux, ils ont cessé d'apprendre d'autant plus facilement, que personne ne les y avait jamais contraints."// (p. 49)

[//Il y a la suggestion redite ultérieurement, que, dans cette société personne n'aurait pris un gamin ou un jeune de côté pour lui "montrer des trucs" - pareil que personne n'aurait "on dit pas 'ça pleut'". Contrairement à ce qui s'est passé dans la transmission dans les familles, plus récemment. Il faudrait voir si cette idée de non-correction est un mythe ou non. Et le role que l'école à eu pour apporter des notions de prescriptivisme - inutile en milieu traditionnel, puisque l'idée de changer une pratique avec un raisonnement est incongrue//]

* Enfin, la recherche nous apprend un petit peu (mais pas beaucoup à cause du manque de sources), sur comment les danses ont changé, quand les danses sont apparues, etc. permettant de refuter tant "les danses n'ont jamais changé" que "elles ont toujours évolué". Par ailleurs beaucoup de danses réputées anciennes n'ont pas laissé de traces - et laissent à penser qu'elles sont d'apparition récente - le cas par exemple du jabadao.

!!!L'évolution des répertoires

Ce chapitre traite de généralités sur la danse dans une perspective diachronique: quelles régularités trouve-t-on dans l'évolution des danses, plus particulièrement dans les danses descendantes du branle

*  De manière générale. Ronde > ronde ouverte > chaine (circulaire ou itinérante) > chaine moyenne (plusieurs chaines) > chaines courtes > quadrettes > couple
* Quasiment partout ou il y a une chaine, il y a un stade antérieur attesté en amont
* Pas d'exemple de trajectoire inverse en France (i.e. ou la chaine ait précédé le rond, que le cortège de couples ait précédé la chaine)
* Pas d'exemple ou tous ces stades aient été visités, aboutissement au couple non obligatoire, cohabitation possible entre différents stades de la danse

* Universalité de la ronde chantée
* Chant n'est pas pour pallier au manque d'instruments, mais une façon de vivre la danse - dans un tel contexte, l'instrument pourrait meme etre importun
* Différents types de chants à répondre
** un chante-avant + réponse de l'ensemble
** deux chante-avant + réponse de l'ensemble
** séparation (deux parties du rond ou hommes et femmes), pour l'envoi et la réponse
** kan ha diskan (2 personnes + tuilage)
* La ronde chantée est un acte total: chant, narration, mélodie, mouvement - essayer de se faire remarquer par la qualité de son geste serait incongru
* A distinguer d'une chaine menée par des musiciens ou on a accompagnement mélodique d'un geste dansé

* Quasi systématiquement, l'ouverture de la ronde en chaine circulaire coincide avec l'arrivée d'accompagnement instrumental
* Lorsque le chant est l'instrument, c'est quand meme différent: des couplets autonomes, tralala, etc. c'est plus une narration dansée, mais un instrument comme un autre
* Ne plus "devoir" chanter a des conséquences pour les danseurs:
** Plus de souffle, donc plus de capacité a des gestes sans économie
** La préoccupation du danseur passe du récit au geste
** Moins de communion entre les danseurs -> plus d'expression personnelle (dont chacun est libre de se saisir, mais ce sont principalement les hommes qui le font - et plus particulièrement le meneur de chaine)
* Ce passage à la chaine ouverte à accompagnement instrumental diminue la différence avec la danse des milieux dominants qui est depuis plus longtemps geste accompagnée de musique [//et rend le milieu plus à même de s'approprier les danses de l'élite?//]
* L'harmonie entre danseurs peut être au cas par cas, une règle qui s'applique pour tous (e.g. dans les sauts basques) ou à l'inverse une traduction de l'absence de volonté de de distinguer (e.g. danse bretonne)

* Puis, dans plusieurs endroits, la chaine se découpe, permettant de mettre de plus en plus d'individus en valeur et soulignant l'existence du couple
* Cette tendance conduit du plus communautaire au moins communautaire et dément l'idée que la danse aurait commencé par être être individuelle, puis l'affaire de couples, puis de chaines, ronds, etc. (en tout cas en europe occidentale)
* La disposition de chaines courtes montre que la danse reste sociale
** chaine "découpée"
** chaines se "chevauchant"
** chaines en rayon de roue de charrette

* Puis on en arrive à la chaine minimale: le couple ouvert
* Transformation d'un déplacement latéral en geste sagittal
* Départ du même pied moins important

* Le passage au couple ouvert amène vers la danse à figure, car la disposition devient un cortège ou un double front, ou parfois une quadrette -> même dispositif que dans les contredanses
* Mais initialement, c'est pas un agencement de contredanse, mais une manifestation des relations sociales
* Chaine toujours fermée par un homme, et cela particulièrement en France - intéressant sur les dispositifs à 4 qui se créent, lorsque la chaine se replie

* Danses à figure toujours reçues de l'extérieur et non élaborées par les milieux traditionnels (pour autant qu'on sache)
* Par contre, il y a réélaboration, ou appropriation. Déplacements sur le pas régional, souvent simplification (résultant en une nouvelle harmonie -> pas forcément appauvrie); Jabadao, Congo, Bourrées à figures
* Ces emprunts se sont faits au moment ou c'était possible (chaine ouverte/chaine courte) 
* Ca aurait pu etre inventé, mais ca ne l'a pas été. Qu'est-ce que ca nous dit sur la société traditionnelle?

* Enseignement majeur de la recherche: les dispositifs de danse constituent une mise en ordre sociale qui décide ou découle des relations sociales qui vont avoir lieu
* Cette logique d'évolution, qui va toujours dans le même sens, c'est pas des modes, mais le résultat de l'évolution des mentalités traditionnelles

!!! La danse traditionnelle comme mise en ordre sociale

* Chacun de ces dispositifs de danse a quelquechose à nous dire sur la société qui la vit (et qui n'éprouve pas le besoin de la changer)
* Ronde chantée
** Société monolithique
** Peu de place pour l'individu ou le couple
** Travail et loisir sont les mêmes pour tous
** Peu de vie privée - tout le monde sait toujours où sont les autres et ce qu'ils font
** Société conformiste
* Chaine ouverte
** Reste une forme solidaire, mais laisse se distinguer le meneur et le serre-fil
** Volonté que chacun soit tour à tour meneur et serre-fil
** Hiérarchisation dans la chaine (e.g. les mariages en bretagne agencent les belles familles dans un ordre particulier; faranla dans la vallée d'Ossau, par age; danza luzea en Navarre, par ancienneté ou importance économique)
** Une chaine prête à voyager = symbole d'ouverture de la société [//encore un peu de mysticisme peut etre... mais c'est séduisant//]
* Danse à figure (particulièrement la bourrée)
** Les facultés mentales, avant prises par le récit vont maintenant dans des trajets
** Ces trajets expriment la rencontre plutot que le monolithisme
* Danses pour couple fermé
** Le fait que ces danses aient pu s'insérer à ce moment est révélateur
** De même qu'elles ne l'ont pas fait partout/à la même date

[//Ca fait penser, pour la danse folklorique, n'est-ce pas regrettable qu'elle doive symboliser la mise en ordre sociale, plutôt que la représenter...//]

!!!La danse récréative dans la société dominante

* Anciennement rondes chantées (aussi)
* Puis branle en chaine et un tas d'individualisations et de mimiques qui enlèvent l'aspect communautaire et font que la danse se suffit pas à elle même
* Puis danses pour couples ouvertes et belle danse: tendance vers quelquechose qui est un spectacle, à etre exécuté en musique par certains, pour le regard des autres
* Art savant, redevable à l'écriture et l'analyse
* ~XVIIIe siècle: contredanse, jeu des bourgeois, romantisme
* ~XIXe siècle: dances pour couple fermés

* Il existe un rapport entre mentalités sociale et danse
* Ce n'est pas un rapport "symbolique" : on ne danse pas ensemble pour montrer qu'on est solidaires, mais parce qu'on danse comme on vit.
* Pas suffisant pour établir des règles générales: telle danse -> telle société
** Ronde chantée souvent conservée en parallèle comme genre mineur, que ce soit dans l'élite ou dans le populaire
** S'il y a revival, ca veut pas dire que la société est à l'image de la danse ["//Mais par contre ca nous dit que chez certains, il y a besoin de rapports qui sont à l'image de la danse//"]. Ce qu'on vit et ressent dans la danse est différent aujourd'hui.
** Une société qui est prête a exalter le mérite individuel peut aussi chercher des "antidotes collectives" (e.g. farandoles, danse du canard, etc.)
** Le slow n'est pas indicateur d'une libération sexuelle, mais plutôt une //"règle de jeu permettant de tricher un peu avec une morale institutionnelle encore peu complaisante envers la vie sexuelle des jeunes hors sanction sociale."// [//Un peu pareil aujourd'hui, tiens!//] 
* Contraster la danse de couple au ~XVe siècle dans la société dominante mais qui n'arrive qu'au ~XXe en Bretagne ou dans les Landes. (Parceque la société traditionnelle n'est pas prête à les adopter avant)

!!!Relation entre société dominante et milieux traditionnels

* Le peuple aurait ''tout'' emprunté à l'élite (mentalité un peu colonialiste fort en vogue jusqu'a récemment)
** Intenable car on ne trouve pas de pratiques de l'élite qui auraient donné naissance à la majorité des pratiques traditionnelles
* Les danses de cour seraient d'anciennes danses populaires
** Aussi intenable et en général affirmé sans demonstration. Vu qu'on sait presque rien sur les danses populaires des ~XVIe et ~XVIIe siècles, l'absence de preuve est totale. En revanche, le fait que ces danses revêtent des caractères non paysans amène à supposer que si elles étaient populaires, ça fait longtemps qu'elles ne le sont plus
* Il y aurait eu des échanges dans les deux sens
** à nouveau, un joli raisonnement qui fait figure d'absence se preuve
** La similarité de répertoires n'implique pas forcément un emprunt (e.g. le branle simple et double sont un fond commun et universel)
** Porter le même nom ne signifie rien non plus. e.g. la "gavotte", jusqu'à récemment en Bretagne s'appelle "dañs tro"
* En résumé, il y a eu très peu d'échanges et d'emprunts, dans quelque sens que ce soit.

* Pour examiner de plus près, y'a ambiguité dans le mot populaire: hameau, village, bourg, ville?
* Certaines expériences semblent avoir été partagées par des classes sociales distinctes [//au meme titre que la langue?//]
* Tout au plus, on voit des cas d'emprunt:
** emprunt de voisinage (e.g. de pays de branle à pays de bourrée)
** emprunt à l'élite (e.g. la notion de danses à figures, l'enseignement régimentaire, les danses pour couple fermé)
* La majorité des danses pour couple fermé ont été empruntées sans être adaptées et remodelées (polka, scottisch, chibreli, soyotte, mazurka, redowa, aéroplane, branle du rat,  etc. etc. etc.)
* Pour les autres cas, le bilan est maigre: bourrées, jabadao, congo, boulangères... et c'est à peu près tout

* L'évolution est plus commune: déplacements d'appuis, e.g. entre plinn et loudéac
* Cette évolution est constatable mais presque impossible à expliquer
* Trois types "d'évolution":
** continuum de danse : toute une zone danse la gavotte, similaire de proche en proche, mais différente entre extrêmes
** greffe ou croisement: Ce que les bourrées de l'aubrac doivent au cotillon
** substitution: Quand la mazurka et la polka remplacent bourrées, rondeaux, sauts et branles, peut on parler d'une évolution?

* Bref, il n'y a pas de généralités et l'évolution de chaque danse est à décrire au cas par cas en considérant l'histoire

!!!Histoire et histoires
Exemple de trois histoires régionales pour montrer que parler de "''La''" société traditionnelle est une convenance de langage.
!!!! ~Basse-Bretagne

!!!Les milieux traditionnels dans l'histoire

!!!La fin d'une histoire
!!!Une autre histoire

Notes pour la suite de la rédaction:
10 ans plus tard, qu'est-ce qui a changé?
bourrée a 2t historiquement jamais en double front (p. 28)
In the case of dancing, we seem to be pretty much subject to newtonian mechanics (think "spherical dancers in a vacuum ;)"). I think most of leading is a) "inflicting" forces on the follow's center of gravity (an _oriented_ point in space) which are b) mostly a direct result of movement of our own center of gravity. This in turn forces stepping and direction of movement, so following is simply allowing one's center of gravity to be moved and moving the rest of the body consequence.

This is completed by one "convention" and two "helpers"
- connection
I can't go touch the follows centre of gravity and the follow can't feel where mine is. So there is some convention in accepting that I will use some subset of my body to move some subset of the follow's body and that we will use this subset to communicate between our two centres of gravity. That when I move my arm, I don't just move my arm, but make my whole body move my arm; that when I move my follows arm, I am not just moving her arm, but her whole body.

In addition, we have other senses, our eyes in particular, which we will often use to mirror or react to the position of another person (typically in dances with no touching, but also in dances like lindy hop, where the out position allows us to see the other person's body)

- music
There is a beat, and various pulses which tell us a lot about how the body is going to move (dancing without music is a lot harder)

- steps (or style?)
At first, it might seem like dancing has steps: step step triple-step step step triple-step. But it doesn't have to. I could lead a swingout which went step step step step step triple-step step step and, given a good follow, she would do just that. So increasingly, steps can give way to the "style" of the dance. 

This style gives us a range of movements, which we must be able to do - not so as to be able to predict them, but to be physically capable of doing them (I can't do isolated hip movements very well yet; I can go down on the beat and up on the backbeat, but I'm not good at doing the opposite).

The style also gives us some habits, which we sometimes "rest on" when dancing, it gives us a default which we can fall back on - but it's more a plan B than a necessity.

Don't believe me?

If you make your hand loose, I can move it all over the place. We don't need any conventions, you just let me move your hand (on the other hand, I'm very bad at letting someone move any part of me). If I push you around like a shopping cart, I can make you go anywhere. At what point should dancing be any different? In particular, all moves taught in beginner classes are leadable. 

(One exception I might see is charleston, but when dancers do it in "tandem" (one behind the other, facing the same way holding hands), the connection/convention is telling the follow not to move her center forwards or back, is telling her which foot to be on and, if you bring the left arm back, the only solutions to not fall over and keep the center of gravity immobile is to kick the right foot forward.)

So for me, all couples dancing (lindy hop, salsa, blues, tango, waltz, polka, etc.) is about understanding connection and the style (by understanding, I don't mean in a cerebral way, but in a "let the parts of our body involves in connection be proxies for the centre of gravity"). Once that is there as "axiomatic", everything else will follow.

The difficulty is that understanding connection takes years - it's probably something that dancers are never truly done with - and that if we were only taught connexion, we would find that A) too hard B) what do we do while we're still learning? Not dance?! C) not constrained enough.
This is a quick primer for lindy hop - which assumes a) you already have a vague idea of what lindy hop looks like b) you are familiar with the basics of leading and following (i.e. you are a lead who can make your follow go anywhere with walking steps - or a follow who can do that).

!!! Connexion

Unlike "permanently" closed couples dances, the lindy connection is more "elastic", allowing the follow's momentum to "stretch" the lead's arm out (a bit like juggling balls, as opposed to ping pong balls on a bat), both in the open position (connexion through lead's left arm, follow's right) and the closed position (connexion through lead's right arm, follow's back).

Whenever possible the "open hands" (i.e. left for lead, right for follow) are relaxed and low (particularly in closed, they don't participate in the connexion unless they are needed and are right down at comfortable/hip height)

!!! Rhythm

The "basic" step (open to a lot of variation, much in the same way that the mazurka is) of lindy is "step step triple-step", executed "1 2 3and4" or "L R ~LrL" (or opposite, if start of other foot). This step is performed to a swung rhythm, yielding A3 A3 A2A A3 rather like in a gavotte (i.e. rather than beats "3" and "and" being of equal length (A2 A2 AA A2), the "3" is around twice as long as the "and" - but not three times as long, as in A2 A2 A>A A).

Two of these basic steps back to back form a basic 8-count pattern (of music). Typically, counts 1-2 can be counted as "rock step" or "back step" or "back back", with the weight going back on the left foot (right for follows) and then returning to the right (either at the original position or side by side with the retreated foot). 6-count patterns are also possible.

Each of the eight beats contributes to a down pulse which is characteristic.

!!! Swing out

The swingout is arguably (haha I love how everybody hedges this statement with this word) the basic of lindy hop. Here is a video:


Start in the open position with a weighted connexion (both are pulling and there is equilibrium). Then the lead walks back on the 1-2, forcing the follow to move forward in a linear motion. The lead then 3and4's out of the follow's way, catches her and "faces off" so that he has his back to her original position and has transferred all the momentum he gave her on one two into the stretch of their connexion. With 5-6 he steps sends her back where she came from and gets out of her way, recovering momentum into the stretch on 7and8.

Notes about the video:
* Lead rocks back and forward - this seems to carry the risk of moving forward too early, not giving the follow enough momentum and forcing the 3 and 4 of the lead to move forward to "get round" the follow - relative to the follower the motion is similar. Relative to the floor there is a difference. 
* Lead shifts his left foot over on 4, making room for the right foot to pass by in front on 5. This is not necessarily the only or best way. More typically, the left foot stays somewhere more "natural" and the right foot will pass behind left on 5.
* On 1-2, the follow is doing swivels - a typical (but optional) part of lady's styling.
* There are many videos on this channel. In general I would not recommend them. Too many "routines", not enough leading, too much crossover between different styles.

Other notes:
* No need to use the open arm to lead the rotation - this is just done by body and keeping frame
Les comparaisons avec la linguistique et les langues sont souvent pertinentes, non seulement à titre de métaphore, mais aussi parce que la recherche en linguistique est plus avancée.

Tout d'abord, le langage est un objet culturel émergent (que personne n'a inventé, sauf dans quelques rares exceptions) et transmis de manière "traditionnelle" (l'acquisition du langage se fait essentiellement par immersion). A ce titre, c'est probablement l'objet le plus proche des musiques et danses traditionnelles^^1^^.

Un des problèmes qu'on peut rencontrer est que les idées reçues concernant le langage ont la vie au moins aussi dure que celles concernant les MDT:

!!!Le français en tant qu'exception

Le français possède plusieurs particularités qui le distinguent des autres langues et font que les gens dont la langue maternelle et culturelle est le français ne se rendent pas nécessairement compte des mécanismes communément admis :
* Il est rare (ou récent) de trouver une langue uniforme (à quelques différences d'accent près) sur un territoire aussi grand que la France. Le colonialisme explique le cas de l'Anglais aux Etats Unis (expansion très rapide) et la République (parmi d'autres facteurs) le cas du français^^2^^. L'italien, l'allemand, l'occitan ou le breton (pour prendre des exemples près de la France) ont eux la particularité d'exister sur un continuum avec des dialectes géographiquement voisins mutuellement compréhensibles et des dialectes éloignés à la compréhension mutuelle difficile voire impossible. Ces différents dialects peuvent être rattachés à une "super-langue" plus ou moins "artificielle"^^3^^, qui est à la fois une dénomination sociale, savante ou politique (les dialectes de l'allemand sont parlés par les gens qui disent parler allemand), et qui peut être utilisée pour l'enseignement, dans le gouvernement et les médias, comme norme d'écriture, ou comme inter-langue entre personnes de dialectes différents.
* Autrefois, même la langue d'Oil (qui décrit, plus ou moins proprement les dialectes du français) était composée de différents dialectes, tels le gallo, le poitevin, etc. Ce qui est "devenu" le français était le dialecte de la région autour d'Orléans. Cette histoire du français est fortement abrégée et quelque peu erronée, mais montre l'erreur de penser qu'il existe une langue littéraire, culturelle, correcte d'une part et d'autre part des dialectes ou des patois un peu bâtards et à valeur moindre, des sortes de sous-français. Cette réalité linguistique n'empêche pas l'autre réalité, socio-culturelle, qu'on mesure une personne à son dialecte. Cela produit des cas de diglossie ou une personne change de registre ou de dialecte en fonction du contexte.^^4^^
* Ce dernier point introduit une misconception qui, bien que non particulière au français, y est particulièrement présente: l'idée qu'il existe une série de règles explicites (et logiques et inambiguës) qui permette de juger que certaines phrases sont "justes" et d'autres "fausses". Si cela était vrai, cela voudrait dire, chose assez incroyable, qu'il y aurait des personnes de langue maternelle française qui s'exprimeraient tous les jours en faisant des "erreurs". L'alternative à cette perspective (souvent appellée "prescriptiviste") n'est pas (comme le caricaturent certains) que tout ce que produisent les personnes de langue maternelle française est "juste". L'approche "descriptiviste", prise par la majorité des chercheurs en linguistique, est que chaque personne a des règles de grammaire "internes" (et difficiles, voire impossible à exprimer) qui règlent sa production

[A compléter, notamment avec les limites de la métaphore]

Un exemple souvent utilisé en lindy hop: les mots=les passes/figures, la grammaire=la technique pour les mettre ensemble et les communiquer - mais avec tout ça il faut quand même exprimer quelquechose d'intéressant.

# Cette proximité vaut aussi pour beaucoup d'autres courants de danse et de musique.
# Je ne m'étendrai pas trop ici sur l'influence de la République sur le français, les autres langues de France, et les pratiques artistiques traditionnelles. Je soupçonne que cette influence est grande, mais l'importance d'autres facteurs n'est pas à négliger.
# En breton et en occitan, notamment, les questions de s'il existe un ou des occitans, de si la "super-langue" enseignée à l'école ou à l'université manque de saveur et va tendre à éclipser les "véritables dialectes", etc. font souvent polémique. Probablement à tort. En effet, il est possible d'accepter la notion d'occitan, de la différencier de celle de catalan (pourtant proche) et de distinguer qu'à l'intérieur il existe les caractéristiques dialectales de l'auvergnat, du gascon, et qu'à l'intérieur de celles-ci on trouve des particularités propres au Béarn, à l'Artense, etc. En fin de compte, il existe presque autant d'occitans que de locuteurs d'occitan.
# A ce titre le français n'est que particulier dans la mesure ou les dialectes du français sont très peu différents de la norme socio-culturelle, pas dans le fait de traiter ses dialectes comme sous-langue.
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[[Pourquoi ce Blog|Pourquoi ce Blog ?]]

Really like this analogy (my comment in that thread is still relevant though)
!!! Outline for 1st afternoon workshop
* Introduction
** French bal folk is a "revivalist" dance event in that it takes dances from all over France which would never have been danced together "back in the day", but have a wide appeal because they all fulfil some kind of "function" in current day dances: couples dances, dances in circles, dances in chains, dances where focus is on what the feet are doing, dances where the focus is on what the arms are doing, dances where the focus is on the path the dancers take, dances which mix all this together, dances that are more calm, dances that are more energetic, dances that are more playful, dances which are more seductive, etc. etc.
** At a given bal folk, you'll get anywhere between 4 and 40 different kinds of dances
** This workshop we're going to focus on covering a wide variety of dances so that we can give you an overview of what to expect at a French "bal folk". By necessity, we will go over the dances quite quickly - giving the idea that each dance is quite easy. But in most cases, the easy basics skip over the fact that each dance has its own style and could be studied for years.
** Show map of France with major areas (if possible)
*** Couples dances adopted pretty much all over
*** Central France (Auvergne, Limousin (oc-speaking), Berry, Bourbonnais, Morvan (oeil-speaking))
*** Britanny (Breton part and Gallo part)
*** Poitou (won't see dances from there today)
*** South West (Gascony, Bearn, Basque country - won't see dances from there today)
*** Alsace (mostly re-invented dances)
*** Elsewhere - very little known about their dances because of the early decline of the peasant civilisation 
** Don't want to talk too much, so a bunch of additional notes written down. Particularly important question - what right do we have to teach you this class, what biases do we have, how limited is our knowledge, etc. etc.
** Find out what people are used to dancing (majority of contra-dancers would imply different things from majority of lindy-hoppers - and again if there were many non-dancers)
* Polka (easiest). Outline general approach
** Listen to music(s)
** Clap out the beats
** Show, including the "cadences" that can be indicated: bouncy, flat, turny (depending on the dance)
** Get everyone in a circle on the cadence
** Dance
* Scottisch (next-easiest)
* Bourrée (2 count)
** in big circle
** Face to face
* Mazurka (easier than waltz for american waltzers)
* Waltz 
** Include odd-count?
* Bourrée (3 count)
** Circle and across figure for 4?
** Two exchange place (auvergne)
* Rond de saint vincent
* Ridée (6 count)
* Gavotte
* Andro, hanter dro (evening dance?)
* Circassian circle, chapelloise (evening dance?)
* Ask people what they liked, what kinds of musics they liked, what kinds of dances
!!! Notes to be written rather than spoken of
* Greg and Lisa are just two people. We have biases. We have limited experience. We have our own "style". We'll try to let you know when our biases enter into our teaching, but unavoidably, other instructors will disagree with some of what we will teach (finding some of it too restrictive, other parts too permissive and others just plain wrong). Happy to discuss any point, particularly if you come across other workshops and feel confused by contradictions.
* Greg's biases:
** Traditional/vernacular music and dance as a medium for personal artistic expression (in addition to social pleasure)
** Interested in the conversation between dancers (couple, set, chain, circle) and music
** Not interested in solos and showing off. More interested in how a dance "feels" to the participants than in how it "looks"
** Leans towards the improvisational end of the spectrum (within reason as each dance is a "ruleset" which allows a certain amount of leeway - some allow more than others)
** Not interested in harsh segregation between lead and follow - both responsible for creativity
** Believes that dance is more than the sum of its counts - as such, each dance type has a music (not a single tune/song, but a musical style) which is appropriate for suggesting it. Although this workshop will cover a wide variety of musical styles, won't play anything which is inappropriate for dancing (as defined by Greg's subjective opinion)
** Do not believe in dancing or learning to canned music - but in this case it is unavoidable
** Dislikes certain current practices and will deliberately omit teaching them
* Bal folk is a "modern", revivalist activity. It mixes several dances from all over France (and increasingly, western Europe) in a way which is distinct from how these dances evolved. In each region of France, a subset of these would have been danced, with very few dances common across regions.
* As we are definitely engaging in a modern activity - and not recreation - questions of authenticity do not necessarily make sense. Although it is interesting as part of a well rounded cultural background, we will focus on how dances are danced today, rather than on how they "used to be done".
* In France, "folklore" designates using dances on stage, either to show what they are or to show the cultures from which they came. "folk" or "trad" is the revivalist continuance in dances and workshops. There is not much crossover, with "folklore" getting a fairly bad rep - hence a general distrust of anything that is too "performance" oriented.
From: http://thelastpsychiatrist.com/2012/05/thank_god_the_heart_attack_gri.html

Fine, here's your concrete advice that you won't take for shaving 6 months off your second language acquisition: master the accent first. Before even one word of vocabulary.  The accent will teach you the rhythm of the words and the grammar-- it will make it okay for you to learn the vocabulary.  And you will think differently.  American exceptiono-isolationism isn't arrogance, it's a cognitive bias impressed on us from kindergarten when we learn that there are only two languages in the world, English and Everything Else.  Which teaches us that a German is more similar to an Italian than a Texan to a New Yorker, and I can predict with 100% accuracy that if that made you pause you only speak English.  Can't wait to hear your foreign policy ideas over drinks.  You should work for NPR.

Once you have the accent down, pick a foreign language actor or actress you admire, and learn the language as if you were them.  Talk like them.  This trick works because you are thinking like someone else, acting like someone else, yet simultaneously distancing yourself from this change-- I'm doing this, but it's not me, I'm just pretending.  The self-consciousness is removed because it's not "you" who is doing it.  Yet it is; and after a time, you'll become it-- and the positive benefit for society is you'll hate the guy you used to be.  C'est la vie.
The world is full of contradictions, including inside our own brains. Finding some kind of coherence is not always easy. Maybe it isn't necessary either (although the followup to this should be to try to resolve some of these contradictions). Here are some of the things I do, sometimes within seconds of each other (some of these aren't actually in contradiction with each other):
* Claim that everyone has a right to participate, to personal artistic expression. Diss anyone who is ignorant of/incapable of reproducing/chooses not to reproduce the stylistic particularities of a given dance or music.
* Claim that dance is not about seduction. Enjoy dancing in close physical proximity.
* Claim that dancing is not cheating. Push the boundaries of how intimate (intellectually and physically) "non cheating" dancing can get. Seek out the pretty girls to dance with.
* Claim that dancing is not about putting moves one after the other. Repeat the same patterns over and over again dance after dance.
* Claim that the important part is not to stick to some box, but to make art. Diss those who try to do that and (in my eyes) fail - often because of poor choices in artistic constraints.
* Claim that "because it's traditional" should not be a justification for artistic choices. Diss those who throw away all traditional elements.
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|''Date:''|Apr 19, 2007|
|''Author:''|BidiX (BidiX (at) bidix (dot) info)|
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|''~CoreVersion:''|2.2.0 (Beta 5)|
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config.macros.option.passwordCheckboxLabel = "Save this password on this computer";
config.macros.option.passwordInputType = "password"; // password | text
setStylesheet(".pasOptionInput {width: 11em;}\n","passwordInputTypeStyle");

merge(config.macros.option.types, {
	'pas': {
		elementType: "input",
		valueField: "value",
		eventName: "onkeyup",
		className: "pasOptionInput",
		typeValue: config.macros.option.passwordInputType,
		create: function(place,type,opt,className,desc) {
			// password field
			// checkbox linked with this password "save this password on this computer"
			// text savePasswordCheckboxLabel
		onChange: config.macros.option.genericOnChange

merge(config.optionHandlers['chk'], {
	get: function(name) {
		// is there an option linked with this chk ?
		var opt = name.substr(3);
		if (config.options[opt]) 
		return config.options[name] ? "true" : "false";

merge(config.optionHandlers, {
	'pas': {
 		get: function(name) {
			if (config.options["chk"+name]) {
				return encodeCookie(config.options[name].toString());
			} else {
				return "";
		set: function(name,value) {config.options[name] = decodeCookie(value);}

// need to reload options to load passwordOptions

if (!config.options['pasPassword'])
	config.options['pasPassword'] = '';

		pasPassword: "Test password"
"I think it's a combination of two factors. First, dance is no longer based on specific steps but is completely free-form, particularly in the clubs. This makes it extremely difficult to learn unless you have natural talent. Most men detest standing on a dance floor trying to dance in random patterns, not knowing what they're doing.

Second, since there is no tradition of dance among the male population as a recreational activity, apart from it being an express means to getting close to women, once getting to women is no longer possible (because you're married) you have no eason to dance at all.

I would suspect that reason 2 flows to some extent from reason 1. The death of formal dance (actual steps and ordered moves) has meant the death of dance as recreational activity for most men. You'll note that in the countries where men still dance recreationally (apart from courting women) they dance salsa which has real steps."

Quelques articles, la plupart en état d'ébauche
Pendant les cinq petites années que je fréquente le trad, je me suis rendu compte que nombre de mes cogitations me menaient a des conclusions qui 
* me paraissent avoir une vérité qui s'étend au moins a quelques autres personnes que moi^^1^^
* paraissent tellement évidentes à d'autres personnes qu'elles ne méritent même pas d'être défendues ou expliquées^^2^^
* vont à l'encontre des "idées reçues" ou des lieux communs

Par ailleurs, plusieurs discussions en "vrai" ou même sur [[Tradzone | http://www.tradzone.net/forum]] se retrouvent encombrées par ces lieux communs qui ont souvent besoin de qualificatifs supplémentaires pour être utiles : par exemple, lorsqu'on dit "la tradition a toujours évolué", il faut savoir [[ce qu'on entend par "tradition"]], [[ce qu'on entend par "évolution"]] et si cette affirmation a une quelconque pertinence sur le sujet de discussion.

En écrivant ce blog (qui est autant un wiki qu'un blog), j'espère clarifier mes idées et permettre au lecteur de remonter et redescendre le fil du raisonnement afin de voir les points de désaccord sous-jacents^^3.

# Il faudrait que je pose au clair mes idées au sujet de [[Vérité, Subjectivité et Objectivité]]. En bref, et comme pour tant d'autres questions, je refuse les deux extrêmes: on ne peut pas savoir le vrai et le faux à tous les sujets, mais tout n'est pas subjectif pour autant: il existe des propositions (parfois bien qualifiées) qui sont indubitablement vraies (en bal folk aujourd'hui, le départ de la Mazurka est parfois sur l'anacrouse, parfois sur le temps fort) et d'autres qui sont indubitablement fausses (la bourrée a  traditionnellement été dansée en Bretagne)
# Le raisonnement paraît être "cette vérité est tellement évidente que le seul moyen de ne pas y adhérer est a) d'être con b) d'avoir des valeurs tellement différentes qu'il n'y aura pas de terrain d'entente". Il me paraît important de contribuer ma pierre avec un "c) c'est seulement évident une fois que l'on a effectué l'entier du raisonnement pour y arriver"
# Un exemple : si on pense que la présence d'une cadence est nécessaire pour bien faire danser et que cette cadence ne se limite pas à poser des temps forts et des temps faibles, il s'ensuit qu'un chorus sur fond rythmique, c'est pas top pour danser. En revanche, si l'on n'accepte pas cette histoire de cadence, il devient difficile d'argumenter qu'une telle musique n'est pas dansable. 
When we learn a language, the goal is to communicate. It's those who learn italian to pick up italian chicks who end up being able to express themselves in italian, those who learn italian grammar and words hoping one day to speak italian are doing it wrong.

In the same way, it's funny how so many dance and music lessons are focussed around form... how is creativity and artistic expression supposed to emerge? 

I suspect it's acquired in parallel through "functional practice". Much as great leads and follows usually don't become so through workshops, but through tons of social dancing. Do they do that "thanks" to the lessons... or "in spite" of them?


Remember: right arm goes back, left arm relaxes

Body movement - arms help the body "pull through". (work on going backwards naturally)

So the release for the rock step is just basically mirrored solo movement.

The release can have more or less energy (and if is just step back letting go with no rock forward, we walk away with that amount of energy)

When doing back step forward step back step forward step, let the elbow go behind the body on the forward

extra energy comes after the rock step

over-rotated swingout: keep my hips in place and plant on 6. Pivot more comfortably (work on pivot back and forth with pulse)

rock step, in all cases, hips move back by so much.
Following (and leading):
* more varied step patterns, more matched/related to the energy/tone that's being given
* default to a much more relaxed tone and match it. By default, zero
* tone change = acceleration, if we do 1-2:rock-step:stretch-release, it's relax-TONE, with the TONE disappearing near as quick as it appears. So the stretch is asymmetrical, with more momentum coming out of it than put in (I previously thought you had to put the momentum you wanted to receive from the rock step into the rockstep).
* Full body: try doing movement without the arms to be sure the torso is doing it, not just the arms
* e.g. charleston (but also on the rock step), the twists occur counter to the body
* Again, tone tends to be on the back beat, so 1 crunch kick crunch kick crunch
* I have video
* Use the twist of the rock step to keep the upper body in that orientation and have the lower body catch up
* don't just stop, slow into it, slow out of it, don't die
* waaaaaaay more relaxed frame, alternating between leading *everything* and letting her choose to follow or not. try hand much closer to her side, 
At the essence, "revivalism" is to make a dance/music exist outside of the culture which created it. The question then becomes how much of this culture should be maintained. Can the fish survive out of water? 

Tango in Buenos Aires is a very different animal from tango everywhere else. Many authors explain the codigos and suggest that we should respect them. I suppose one ideal might be to transpose the form of everything, but in multi-functional situations it's very hard. For example, in the "traditional" BsAs milongas, the men do not sit with the women (except in couples who arrive together and will dance together, but who will not dance with other people). This has a first benefit/reason: it signals who is available to dance and places them in a good position for a cabeceo. The other, more fundamental reason is that for the old milongueros, a friendship with a woman is just not imaginable. So why would they sit and socialise? For many milongueros, their life in the milongas is secret, kept from their wives and families. Easy to understand why they would not wish to talk about their personal life. The idea of transposing the mentalities and cultures that are behind these codigos to modern US/european culture is just silly. And again, however much "respect" for traditions one wants to have, just respecting something because that's how it's done in BsAs cannot work.
certitudes changeantes d'un petit Suisse
Inculte par Tradition
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http://jantango.wordpress.com/2010/03/04/back-to-basics (learn the music, learn the basics, all the rest will follow)
http://www.youtube.com/watch?v=ZSFw10k-eLA (video about ocho cortados that inspired me to take up tango)
http://www.tangoandchaos.org/index.htm (a "complete" guide to everything you will ever need to understand tango, videos of old milongueros, plus analysis - stay in the compas, express the music)
People tend to have deeply held beliefs about themselves. If, through dance, we can challenge their beliefs about their dance ability (I used to not be able to dance, then not be able to have personal/artistic expression, then not be able to move my hips, then not be able to do isolations - I'm still working on that last one. I also used to not at alllll be able to sing), maybe we can help them in challenging all their beliefs about themselves...

If you wanted to draw an elephant, you could start out with the overall shape, sketch in the head, the trunk, the ears, the legs and the belly, the mouth and the tusks, adding detail and depth to the elephant at each pass. Or you could start with the trunk, study it in detail, then look at the legs, then look at the body, then look at the ears. (As in the parable about the elephant...)

One of the hard parts about teaching a dance (or to dance) is that the whole "experience" is several years worth of dancing and even the basics are probably around 10 hours worth. What do you do in that first hour (or those first hours addressing a specific topic, say musicality). I think it's very tempting to draw a very rough and quick sketch and then say "ok, let's work on the trunk now". Because the trunk is a small, self-contained piece. But the risk is that students then only see the trunk and... wait for it... think that what you've taught them is very much like a snake.

Brenda and Barry, in their teaching to beginners say (paraphrased): "We don't believe in teaching one dance to the advanced people and one dance to the beginners." So they remove layers of the whole dance, rather than breaking the dance into small pieces (kind of a breadth first rather than depth first approach). So first they teach weight shifts, with the resulting shifts in hip orientation, and the resulting connection points when dancing partnered up. Then the add taking steps, changing connection to open. Only later do they add pulse, foot rhythm, body polycentrism, lag, etc.

However detailed a topic you are teaching, it seems important to relate it to the big picture, especially if you're simplifying a really complex idea. One aspect of musicality is knowing what the structure of the music is, hearing it in a given song and reacting to it. Simplifying this idea into "figure out where the ONE is and start dancing on it will make you musical" is presenting a snake to people who then think that's what the elephant is.
Some unfinished thoughts and ramblings

Tiennet: Je viens de tomber sur cette phrase de... vous savez qui : 
"ce que danse le revivalisme, ce n'est pas de la danse traditionnelle ; c'est l'idée qu'il s'en fait". 
Je me permets de transposer pour la musique : ce que joue le revivalisme, ce n'est pas de la musique traditionnelle ; c'est l'idée qu'il s'en fait 


!!! Que pratiquons nous?

Je pratique, par co-incidence ou à cause de leur similiarités, trois styles de danse: les danses de bal folk (i.e. peu ou prou "traditionnelles" d'europe occidentale), les danses swing ("traditions" issues des musiques swing et blues des années 20, 30, 40, essentiellement chez les noirs des USA), et le tango argentin. Ces danses ont les caractéristiques communes suivantes (partagées ou non avec d'autres danses):
* Elles ont été des pratiques courantes "populaires" (s'appliquant à la quasi totalité d'une population/couche sociale) sur une aire géographique 
* Elles sont actuellement pratiquées de manière marginale, souvent en dehors de leur contexte originel avec, au centre de cette pratique revivaliste, la question omni-présente de l'authenticité et du rapport à la tradition.
* La majorité du développement des pratiques dans le contexte original n'a pas été le fruit d'une pratique réflexive (les pratiquants ne se sont pas "auto-analysés" pour savoir s'ils faisaient "juste", ou en interrogeant des notions d'esthétique universelles). Les codes, les règles (à supposer qu'il y en ait) ont émergé, plutôt que d'être construites. Pour les danses swing on parle volontiers de "street dances" ou de "vernacular danse" et on tire le parallèle avec le hip hop, et l'opposition avec les danses de salon, la danse classique, etc. 
* Il y a un lien fort avec la musique, celle-ci s'étant développée en co-evolution avec la danse.
* Elles ont été apprises dans le contexte originel par immersion, plutôt que par enseignement.
* Elles sont actuellement majoritairement apprises par enseignment.
* Les collectages et l'interprétation des collectages, ainsi que la contribution des collectés est importante dans la compréhension de la danse (peut-être moins pour le tango?)
* L'attractivité de ces danses semble résider, pour beaucoup (pas tous évidemment), dans une utopie fantasmée qui permet un décalage avec la société "actuelle" et qui (paradoxalement vu la question d'authenticité et de tradition) n'est pas forcément en lien avec une réalité. Ce n'est pas qu'il n'y a pas de vérité là derrière, mais qu'elle n'est pas d'une si grande importance, a tel point que la réalité qui rentre potentiellement en conflit avec le fantasme est souvent ignorée au profit de la réalité qui le confirme.

!!! Le fantasme

Ce mot peut sembler un peu négatif. Mais c'est un premier élément essentiel du lien entre toutes ces pratiques et le monde d'aujourd'hui. Tout ce qu'on fait nous renvoie une image et renvoie une image de notre lien à la société. Ou on fait nos courses, si on se place écolo, bio, commerce équitable, de gauche, de droite, réaliste, utopiste, etc.
Description: Contains the stuff you need to use Tiddlyspot
Note, you also need UploadPlugin, PasswordOptionPlugin and LoadRemoteFileThroughProxy
from http://tiddlywiki.bidix.info for a complete working Tiddlyspot site.

// edit this if you are migrating sites or retrofitting an existing TW
config.tiddlyspotSiteId = 'gregdyke';

// make it so you can by default see edit controls via http
config.options.chkHttpReadOnly = false;
window.readOnly = false; // make sure of it (for tw 2.2)
window.showBackstage = true; // show backstage too

// disable autosave in d3
if (window.location.protocol != "file:")
	config.options.chkGTDLazyAutoSave = false;

// tweak shadow tiddlers to add upload button, password entry box etc
with (config.shadowTiddlers) {
	SiteUrl = 'http://'+config.tiddlyspotSiteId+'.tiddlyspot.com';
	SideBarOptions = SideBarOptions.replace(/(<<saveChanges>>)/,"$1<<tiddler TspotSidebar>>");
	OptionsPanel = OptionsPanel.replace(/^/,"<<tiddler TspotOptions>>");
	DefaultTiddlers = DefaultTiddlers.replace(/^/,"[[WelcomeToTiddlyspot]] ");
	MainMenu = MainMenu.replace(/^/,"[[WelcomeToTiddlyspot]] ");

// create some shadow tiddler content

 "tiddlyspot password:",
 "<<option pasUploadPassword>>",

 "| tiddlyspot password:|<<option pasUploadPassword>>|",
 "| site management:|<<upload http://" + config.tiddlyspotSiteId + ".tiddlyspot.com/store.cgi index.html . .  " + config.tiddlyspotSiteId + ">>//(requires tiddlyspot password)//<br>[[control panel|http://" + config.tiddlyspotSiteId + ".tiddlyspot.com/controlpanel]], [[download (go offline)|http://" + config.tiddlyspotSiteId + ".tiddlyspot.com/download]]|",
 "| links:|[[tiddlyspot.com|http://tiddlyspot.com/]], [[FAQs|http://faq.tiddlyspot.com/]], [[blog|http://tiddlyspot.blogspot.com/]], email [[support|mailto:support@tiddlyspot.com]] & [[feedback|mailto:feedback@tiddlyspot.com]], [[donate|http://tiddlyspot.com/?page=donate]]|"

 "This document is a ~TiddlyWiki from tiddlyspot.com.  A ~TiddlyWiki is an electronic notebook that is great for managing todo lists, personal information, and all sorts of things.",
 "@@font-weight:bold;font-size:1.3em;color:#444; //What now?// &nbsp;&nbsp;@@ Before you can save any changes, you need to enter your password in the form below.  Then configure privacy and other site settings at your [[control panel|http://" + config.tiddlyspotSiteId + ".tiddlyspot.com/controlpanel]] (your control panel username is //" + config.tiddlyspotSiteId + "//).",
 "<<tiddler TspotControls>>",
 "See also GettingStarted.",
 "@@font-weight:bold;font-size:1.3em;color:#444; //Working online// &nbsp;&nbsp;@@ You can edit this ~TiddlyWiki right now, and save your changes using the \"save to web\" button in the column on the right.",
 "@@font-weight:bold;font-size:1.3em;color:#444; //Working offline// &nbsp;&nbsp;@@ A fully functioning copy of this ~TiddlyWiki can be saved onto your hard drive or USB stick.  You can make changes and save them locally without being connected to the Internet.  When you're ready to sync up again, just click \"upload\" and your ~TiddlyWiki will be saved back to tiddlyspot.com.",
 "@@font-weight:bold;font-size:1.3em;color:#444; //Help!// &nbsp;&nbsp;@@ Find out more about ~TiddlyWiki at [[TiddlyWiki.com|http://tiddlywiki.com]].  Also visit [[TiddlyWiki.org|http://tiddlywiki.org]] for documentation on learning and using ~TiddlyWiki. New users are especially welcome on the [[TiddlyWiki mailing list|http://groups.google.com/group/TiddlyWiki]], which is an excellent place to ask questions and get help.  If you have a tiddlyspot related problem email [[tiddlyspot support|mailto:support@tiddlyspot.com]].",
 "@@font-weight:bold;font-size:1.3em;color:#444; //Enjoy :)// &nbsp;&nbsp;@@ We hope you like using your tiddlyspot.com site.  Please email [[feedback@tiddlyspot.com|mailto:feedback@tiddlyspot.com]] with any comments or suggestions."

 "<<upload http://" + config.tiddlyspotSiteId + ".tiddlyspot.com/store.cgi index.html . .  " + config.tiddlyspotSiteId + ">><html><a href='http://" + config.tiddlyspotSiteId + ".tiddlyspot.com/download' class='button'>download</a></html>"

When different people put on the same t-shirt, all wear it differently, all give it a different shape. If you run through a shirt too quickly, it's as if it was never worn.
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|''Description:''|Save to web a TiddlyWiki|
|''Date:''|Feb 24, 2008|
|''Author:''|BidiX (BidiX (at) bidix (dot) info)|
|''License:''|[[BSD open source license|http://tiddlywiki.bidix.info/#%5B%5BBSD%20open%20source%20license%5D%5D ]]|
version.extensions.UploadPlugin = {
	major: 4, minor: 1, revision: 3,
	date: new Date("Feb 24, 2008"),
	source: 'http://tiddlywiki.bidix.info/#UploadPlugin',
	author: 'BidiX (BidiX (at) bidix (dot) info',
	coreVersion: '2.2.0'

// Environment

if (!window.bidix) window.bidix = {}; // bidix namespace
bidix.debugMode = false;	// true to activate both in Plugin and UploadService
// Upload Macro

config.macros.upload = {
// default values
	defaultBackupDir: '',	//no backup
	defaultStoreScript: "store.php",
	defaultToFilename: "index.html",
	defaultUploadDir: ".",
	authenticateUser: true	// UploadService Authenticate User
config.macros.upload.label = {
	promptOption: "Save and Upload this TiddlyWiki with UploadOptions",
	promptParamMacro: "Save and Upload this TiddlyWiki in %0",
	saveLabel: "save to web", 
	saveToDisk: "save to disk",
	uploadLabel: "upload"	

config.macros.upload.messages = {
	noStoreUrl: "No store URL in parmeters or options",
	usernameOrPasswordMissing: "Username or password missing"

config.macros.upload.handler = function(place,macroName,params) {
	if (readOnly)
	var label;
	if (document.location.toString().substr(0,4) == "http") 
		label = this.label.saveLabel;
		label = this.label.uploadLabel;
	var prompt;
	if (params[0]) {
		prompt = this.label.promptParamMacro.toString().format([this.destFile(params[0], 
			(params[1] ? params[1]:bidix.basename(window.location.toString())), params[3])]);
	} else {
		prompt = this.label.promptOption;
	createTiddlyButton(place, label, prompt, function() {config.macros.upload.action(params);}, null, null, this.accessKey);

config.macros.upload.action = function(params)
		// for missing macro parameter set value from options
		if (!params) params = {};
		var storeUrl = params[0] ? params[0] : config.options.txtUploadStoreUrl;
		var toFilename = params[1] ? params[1] : config.options.txtUploadFilename;
		var backupDir = params[2] ? params[2] : config.options.txtUploadBackupDir;
		var uploadDir = params[3] ? params[3] : config.options.txtUploadDir;
		var username = params[4] ? params[4] : config.options.txtUploadUserName;
		var password = config.options.pasUploadPassword; // for security reason no password as macro parameter	
		// for still missing parameter set default value
		if ((!storeUrl) && (document.location.toString().substr(0,4) == "http")) 
			storeUrl = bidix.dirname(document.location.toString())+'/'+config.macros.upload.defaultStoreScript;
		if (storeUrl.substr(0,4) != "http")
			storeUrl = bidix.dirname(document.location.toString()) +'/'+ storeUrl;
		if (!toFilename)
			toFilename = bidix.basename(window.location.toString());
		if (!toFilename)
			toFilename = config.macros.upload.defaultToFilename;
		if (!uploadDir)
			uploadDir = config.macros.upload.defaultUploadDir;
		if (!backupDir)
			backupDir = config.macros.upload.defaultBackupDir;
		// report error if still missing
		if (!storeUrl) {
			return false;
		if (config.macros.upload.authenticateUser && (!username || !password)) {
			return false;
		bidix.upload.uploadChanges(false,null,storeUrl, toFilename, uploadDir, backupDir, username, password); 
		return false; 

config.macros.upload.destFile = function(storeUrl, toFilename, uploadDir) 
	if (!storeUrl)
		return null;
		var dest = bidix.dirname(storeUrl);
		if (uploadDir && uploadDir != '.')
			dest = dest + '/' + uploadDir;
		dest = dest + '/' + toFilename;
	return dest;

// uploadOptions Macro

config.macros.uploadOptions = {
	handler: function(place,macroName,params) {
		var wizard = new Wizard();
		var markList = wizard.getElement("markList");
		var listWrapper = document.createElement("div");
		var uploadCaption;
		if (document.location.toString().substr(0,4) == "http") 
			uploadCaption = config.macros.upload.label.saveLabel;
			uploadCaption = config.macros.upload.label.uploadLabel;
				{caption: uploadCaption, tooltip: config.macros.upload.label.promptOption, 
					onClick: config.macros.upload.action},
				{caption: this.cancelButton, tooltip: this.cancelButtonPrompt, onClick: this.onCancel}
	options: [
	refreshOptions: function(listWrapper) {
		var opts = [];
		for(i=0; i<this.options.length; i++) {
			var opt = {};
			opt.option = "";
			n = this.options[i];
			opt.name = n;
			opt.lowlight = !config.optionsDesc[n];
			opt.description = opt.lowlight ? this.unknownDescription : config.optionsDesc[n];
		var listview = ListView.create(listWrapper,opts,this.listViewTemplate);
		for(n=0; n<opts.length; n++) {
			var type = opts[n].name.substr(0,3);
			var h = config.macros.option.types[type];
			if (h && h.create) {
	onCancel: function(e)
		return false;
	wizardTitle: "Upload with options",
	step1Title: "These options are saved in cookies in your browser",
	step1Html: "<input type='hidden' name='markList'></input><br>",
	cancelButton: "Cancel",
	cancelButtonPrompt: "Cancel prompt",
	listViewTemplate: {
		columns: [
			{name: 'Description', field: 'description', title: "Description", type: 'WikiText'},
			{name: 'Option', field: 'option', title: "Option", type: 'String'},
			{name: 'Name', field: 'name', title: "Name", type: 'String'}
		rowClasses: [
			{className: 'lowlight', field: 'lowlight'} 

// upload functions

if (!bidix.upload) bidix.upload = {};

if (!bidix.upload.messages) bidix.upload.messages = {
	//from saving
	invalidFileError: "The original file '%0' does not appear to be a valid TiddlyWiki",
	backupSaved: "Backup saved",
	backupFailed: "Failed to upload backup file",
	rssSaved: "RSS feed uploaded",
	rssFailed: "Failed to upload RSS feed file",
	emptySaved: "Empty template uploaded",
	emptyFailed: "Failed to upload empty template file",
	mainSaved: "Main TiddlyWiki file uploaded",
	mainFailed: "Failed to upload main TiddlyWiki file. Your changes have not been saved",
	//specific upload
	loadOriginalHttpPostError: "Can't get original file",
	aboutToSaveOnHttpPost: 'About to upload on %0 ...',
	storePhpNotFound: "The store script '%0' was not found."

bidix.upload.uploadChanges = function(onlyIfDirty,tiddlers,storeUrl,toFilename,uploadDir,backupDir,username,password)
	var callback = function(status,uploadParams,original,url,xhr) {
		if (!status) {
		if (bidix.debugMode) 
		// Locate the storeArea div's 
		var posDiv = locateStoreArea(original);
		if((posDiv[0] == -1) || (posDiv[1] == -1)) {
	if(onlyIfDirty && !store.isDirty())
	// save on localdisk ?
	if (document.location.toString().substr(0,4) == "file") {
		var path = document.location.toString();
		var localPath = getLocalPath(path);
	// get original
	var uploadParams = new Array(storeUrl,toFilename,uploadDir,backupDir,username,password);
	var originalPath = document.location.toString();
	// If url is a directory : add index.html
	if (originalPath.charAt(originalPath.length-1) == "/")
		originalPath = originalPath + "index.html";
	var dest = config.macros.upload.destFile(storeUrl,toFilename,uploadDir);
	var log = new bidix.UploadLog();
	log.startUpload(storeUrl, dest, uploadDir,  backupDir);
	if (bidix.debugMode) 
		alert("about to execute Http - GET on "+originalPath);
	var r = doHttp("GET",originalPath,null,null,username,password,callback,uploadParams,null);
	if (typeof r == "string")
	return r;

bidix.upload.uploadRss = function(uploadParams,original,posDiv) 
	var callback = function(status,params,responseText,url,xhr) {
		if(status) {
			var destfile = responseText.substring(responseText.indexOf("destfile:")+9,responseText.indexOf("\n", responseText.indexOf("destfile:")));
		} else {
	// do uploadRss
	if(config.options.chkGenerateAnRssFeed) {
		var rssPath = uploadParams[1].substr(0,uploadParams[1].lastIndexOf(".")) + ".xml";
		var rssUploadParams = new Array(uploadParams[0],rssPath,uploadParams[2],'',uploadParams[4],uploadParams[5]);
		var rssString = generateRss();
		// no UnicodeToUTF8 conversion needed when location is "file" !!!
		if (document.location.toString().substr(0,4) != "file")
			rssString = convertUnicodeToUTF8(rssString);	
	} else {

bidix.upload.uploadMain = function(uploadParams,original,posDiv) 
	var callback = function(status,params,responseText,url,xhr) {
		var log = new bidix.UploadLog();
		if(status) {
			// if backupDir specified
			if ((params[3]) && (responseText.indexOf("backupfile:") > -1))  {
				var backupfile = responseText.substring(responseText.indexOf("backupfile:")+11,responseText.indexOf("\n", responseText.indexOf("backupfile:")));
			var destfile = responseText.substring(responseText.indexOf("destfile:")+9,responseText.indexOf("\n", responseText.indexOf("destfile:")));
		} else {
	// do uploadMain
	var revised = bidix.upload.updateOriginal(original,posDiv);

bidix.upload.httpUpload = function(uploadParams,data,callback,params)
	var localCallback = function(status,params,responseText,url,xhr) {
		url = (url.indexOf("nocache=") < 0 ? url : url.substring(0,url.indexOf("nocache=")-1));
		if (xhr.status == 404)
		if ((bidix.debugMode) || (responseText.indexOf("Debug mode") >= 0 )) {
			if (responseText.indexOf("Debug mode") >= 0 )
				responseText = responseText.substring(responseText.indexOf("\n\n")+2);
		} else if (responseText.charAt(0) != '0') 
		if (responseText.charAt(0) != '0')
			status = null;
	// do httpUpload
	var boundary = "---------------------------"+"AaB03x";	
	var uploadFormName = "UploadPlugin";
	// compose headers data
	var sheader = "";
	sheader += "--" + boundary + "\r\nContent-disposition: form-data; name=\"";
	sheader += uploadFormName +"\"\r\n\r\n";
	sheader += "backupDir="+uploadParams[3] +
				";user=" + uploadParams[4] +
				";password=" + uploadParams[5] +
				";uploaddir=" + uploadParams[2];
	if (bidix.debugMode)
		sheader += ";debug=1";
	sheader += ";;\r\n"; 
	sheader += "\r\n" + "--" + boundary + "\r\n";
	sheader += "Content-disposition: form-data; name=\"userfile\"; filename=\""+uploadParams[1]+"\"\r\n";
	sheader += "Content-Type: text/html;charset=UTF-8" + "\r\n";
	sheader += "Content-Length: " + data.length + "\r\n\r\n";
	// compose trailer data
	var strailer = new String();
	strailer = "\r\n--" + boundary + "--\r\n";
	data = sheader + data + strailer;
	if (bidix.debugMode) alert("about to execute Http - POST on "+uploadParams[0]+"\n with \n"+data.substr(0,500)+ " ... ");
	var r = doHttp("POST",uploadParams[0],data,"multipart/form-data; ;charset=UTF-8; boundary="+boundary,uploadParams[4],uploadParams[5],localCallback,params,null);
	if (typeof r == "string")
	return r;

// same as Saving's updateOriginal but without convertUnicodeToUTF8 calls
bidix.upload.updateOriginal = function(original, posDiv)
	if (!posDiv)
		posDiv = locateStoreArea(original);
	if((posDiv[0] == -1) || (posDiv[1] == -1)) {
	var revised = original.substr(0,posDiv[0] + startSaveArea.length) + "\n" +
				store.allTiddlersAsHtml() + "\n" +
	var newSiteTitle = getPageTitle().htmlEncode();
	revised = revised.replaceChunk("<title"+">","</title"+">"," " + newSiteTitle + " ");
	revised = updateMarkupBlock(revised,"PRE-HEAD","MarkupPreHead");
	revised = updateMarkupBlock(revised,"POST-HEAD","MarkupPostHead");
	revised = updateMarkupBlock(revised,"PRE-BODY","MarkupPreBody");
	revised = updateMarkupBlock(revised,"POST-SCRIPT","MarkupPostBody");
	return revised;

// UploadLog
// config.options.chkUploadLog :
//		false : no logging
//		true : logging
// config.options.txtUploadLogMaxLine :
//		-1 : no limit
//      0 :  no Log lines but UploadLog is still in place
//		n :  the last n lines are only kept
//		NaN : no limit (-1)

bidix.UploadLog = function() {
	if (!config.options.chkUploadLog) 
		return; // this.tiddler = null
	this.tiddler = store.getTiddler("UploadLog");
	if (!this.tiddler) {
		this.tiddler = new Tiddler();
		this.tiddler.title = "UploadLog";
		this.tiddler.text = "| !date | !user | !location | !storeUrl | !uploadDir | !toFilename | !backupdir | !origin |";
		this.tiddler.created = new Date();
		this.tiddler.modifier = config.options.txtUserName;
		this.tiddler.modified = new Date();
	return this;

bidix.UploadLog.prototype.addText = function(text) {
	if (!this.tiddler)
	// retrieve maxLine when we need it
	var maxLine = parseInt(config.options.txtUploadLogMaxLine,10);
	if (isNaN(maxLine))
		maxLine = -1;
	// add text
	if (maxLine != 0) 
		this.tiddler.text = this.tiddler.text + text;
	// Trunck to maxLine
	if (maxLine >= 0) {
		var textArray = this.tiddler.text.split('\n');
		if (textArray.length > maxLine + 1)
			this.tiddler.text = textArray.join('\n');		
	// update tiddler fields
	this.tiddler.modifier = config.options.txtUserName;
	this.tiddler.modified = new Date();
	// refresh and notifiy for immediate update
	store.notify(this.tiddler.title, true);

bidix.UploadLog.prototype.startUpload = function(storeUrl, toFilename, uploadDir,  backupDir) {
	if (!this.tiddler)
	var now = new Date();
	var text = "\n| ";
	var filename = bidix.basename(document.location.toString());
	if (!filename) filename = '/';
	text += now.formatString("0DD/0MM/YYYY 0hh:0mm:0ss") +" | ";
	text += config.options.txtUserName + " | ";
	text += "[["+filename+"|"+location + "]] |";
	text += " [[" + bidix.basename(storeUrl) + "|" + storeUrl + "]] | ";
	text += uploadDir + " | ";
	text += "[[" + bidix.basename(toFilename) + " | " +toFilename + "]] | ";
	text += backupDir + " |";

bidix.UploadLog.prototype.endUpload = function(status) {
	if (!this.tiddler)
	this.addText(" "+status+" |");

// Utilities

bidix.checkPlugin = function(plugin, major, minor, revision) {
	var ext = version.extensions[plugin];
	if (!
		(ext  && 
			((ext.major > major) || 
			((ext.major == major) && (ext.minor > minor))  ||
			((ext.major == major) && (ext.minor == minor) && (ext.revision >= revision))))) {
			// write error in PluginManager
			if (pluginInfo)
				pluginInfo.log.push("Requires " + plugin + " " + major + "." + minor + "." + revision);
			eval(plugin); // generate an error : "Error: ReferenceError: xxxx is not defined"

bidix.dirname = function(filePath) {
	if (!filePath) 
	var lastpos;
	if ((lastpos = filePath.lastIndexOf("/")) != -1) {
		return filePath.substring(0, lastpos);
	} else {
		return filePath.substring(0, filePath.lastIndexOf("\\"));

bidix.basename = function(filePath) {
	if (!filePath) 
	var lastpos;
	if ((lastpos = filePath.lastIndexOf("#")) != -1) 
		filePath = filePath.substring(0, lastpos);
	if ((lastpos = filePath.lastIndexOf("/")) != -1) {
		return filePath.substring(lastpos + 1);
	} else
		return filePath.substring(filePath.lastIndexOf("\\")+1);

bidix.initOption = function(name,value) {
	if (!config.options[name])
		config.options[name] = value;

// Initializations

// require PasswordOptionPlugin 1.0.1 or better
bidix.checkPlugin("PasswordOptionPlugin", 1, 0, 1);

// styleSheet
setStylesheet('.txtUploadStoreUrl, .txtUploadBackupDir, .txtUploadDir {width: 22em;}',"uploadPluginStyles");

	txtUploadStoreUrl: "Url of the UploadService script (default: store.php)",
	txtUploadFilename: "Filename of the uploaded file (default: in index.html)",
	txtUploadDir: "Relative Directory where to store the file (default: . (downloadService directory))",
	txtUploadBackupDir: "Relative Directory where to backup the file. If empty no backup. (default: ''(empty))",
	txtUploadUserName: "Upload Username",
	pasUploadPassword: "Upload Password",
	chkUploadLog: "do Logging in UploadLog (default: true)",
	txtUploadLogMaxLine: "Maximum of lines in UploadLog (default: 10)"

// Options Initializations

// Backstage
	uploadOptions: {text: "upload", tooltip: "Change UploadOptions and Upload", content: '<<uploadOptions>>'}


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As a newcomer to Lindy, I spend way too much time trying to convince myself that my previous experience is relevant (rather than dancing). But anyway, here are the things that happen in one scene that may be relevant to the other.

Trad, relevant to Lindy
* In trad, the only reason to be "authentic" is in scenic recreation. Wearing 1940s clothes to Lindy is trying to go back to something that doesn't exist any more and is meaningless. The times are different, the kinds of people dancing are different - you are chasing a chimera. On the other hand, back in the day they put on their best clothes to go dancing, we can emulate *that* instead. (also, searching for authenticity is -fortunately- not the same thing as searching for style)
* In trad, we would never imagine dancing to DJ'd music. I know that the argument has been had many times, but it's just silly. Trying to social dance to recorded music is also a chimera - what's the point when you know the breaks off by heart?
* Full day/week workshops. What's with these 1 hour set pieces? How can anything meaningful be taught in as little as an hour?!

Lindy, relevant to Trad
* Competitions have really made people push their game
* Birthday Jams - they are fun
* Steal mixers - also fun
* Private lessons
* The culture of dancing with everyone (dance with everyone in the room, at every dance)
Dissertation which is slightly confused:

The Door to (any) Dance is not made up of Steps and Patterns; it is made up of Movement and Expression. And Music is the Key. -- Chance Bushman
Some potential answers:
- technique is easier to teach (and to teach in a uniform way)
- technique is easier to evaluate/measure (ditto)
- technique is easier to argue as right/wrong
- technique is easier to practice
- we get so caught up in perfecting technique that we forget there's a reason for it - and listen/look for it obsessively in other people's art
- if we had perfect technique, we could do all the amazing things the pros do (so not having perfect technique is a free pass for being crap?)
- technique is what sports focus on (rightly or wrongly is a whole nother debate)

There is a common metaphor which is used for oligo-elements: the wooden bucket, with a series of planks running up from the base. The shortest of these planks determines how full the bucket can get, the idea being that it's pointless to go overboard on calcium if you're not getting enough magnesium. This metaphor is "de-referenced" in the Tigris and Euphrates boardgame, where you score 4 kinds of points and your final score is the lowest of the 4.

Practice and improvement is a bit like that sometimes. If you only focus on your qualities, you're really being held back by your worst traits.

On the other hand, given that Salsa isn't my forte, *and* that it doesn't really affect my other dancing, improving on Salsa is pretty pointless...